Van Gogh at work

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El Museo Van Gogh de Ámsterdam reabre sus puertas tras más de siete meses de obras de reforma. ‘Van Gogh at work’ (Van Gogh en el trabajo) es el título de esta exposición conmemorativa que celebra el 160 aniversario del nacimiento del gran pintor holandés y que podrá visitarse desde este 1 de mayo hasta el 12 de enero de 2014.

La exposición es la culminación de ocho años de investigación sobre el método de trabajo del artista postimpresionista, realizada por el Museo Van Gogh en colaboración con el Instituto Neerlandés de Patrimonio Cultural, que reúne cerca de 200 obras para apreciar la evolución del trabajo de Van Gogh, desde sus obras más tempranas hasta las más tardías.

En esta exposición podrán contemplarse 150 cuadros de Van Gogh -en toda su carrera pintó 900; más de la mitad de ellos en sus últimos dos años y medio de vida-, dibujos, cartas y materiales personales del artista, como sus cuadernos originales de dibujos, tubos de pintura o la única paleta que se conversa del pintor, procedente del Museo d’ Orsay de París.

‘Van Gogh at work’ ha conseguido además juntar las grandes obras maestras que posee el Museo Van Gogh, con otras procedentes de los más prestigiosos museos del mundo. Así, el visitante tendrá la oportunidad única de contemplar juntas dos de las versiones de la serie de Los girasoles que pintó Van Gogh en Arles, Jarrón con quince girasoles, de agosto de 1888 propiedad de la National Gallery de Londres  y el Jarrón con quince girasoles de enero de 1989, del Museo Van Gogh .

El renovado museo holandés, sometido a unas reformas de normativa de seguridad, también acogerá estos meses el Retrato de Père Tanguy, que solo ha salido del Museo Rodin de París en contadísimas ocasiones y que no viajaba a los Países Bajos desde 1930; o dos versiones de El dormitorio de Arles enfrentadas, la del museo holandés pintada en 1888, y la del Art Institute of Chicago, de 1889.

Junto a las obras de Van Gogh, la exposición muestra diversas obras de artistas contemporáneos del holandés, con los que compartió amistad y trabajo durante el tiempo que vivió en París, como los maestros impresionistas y neoimpresionistas Claude Monet, Georges Seurat, Emile Bernard o Paul Gaugin.

La exposición ‘Van Gogh en el trabajo’ está basada en los hallazgos de la investigación que un equipo multidisciplinar ha venido desarrollando desde 2005 y que arroja una perspectiva distinta de las obras del pintor y de su aprendizaje y método de trabajo.

Se podrán “conocer los materiales que utilizaba Van Gogh, dónde los adquiría, en qué condiciones trabajaba, de quién aprendía y con quién intercambiaba ideas”, explican desde el Museo Van Gogh, que también da la oportunidad al visitante analizar muestras de pintura con un microscopio para descubrir los granos de arena que quedaron impregnados en algunas de sus pinturas al aire libre, las decoloraciones y las letras del periódico con el que cubrió El dormitorio de Arles o la posibilidad de aprender a interpretar las radiografías de los cuadros.

La muestra está organizada en su mayor parte en orden cronológico y por temas: En el apartado “Aprendizaje” observamos sus años de aprendizaje en Amberes y la influencia de sus contemporáneos; en “Materiales y herramientas”, los distintos tipos de lienzo y de pintura que utilizaba y su encuadre de la composición; en “Reciclaje de cuadros”, cómo reutilizaba lienzos cuando se le acaban o se quedaba sin dinero.

En las secciones dedicadas a “Color” y “Uso de la pintura”, su evolución en el uso del color, desde los tonos sombríos y apagados de una de sus grandes obras tempranas,Los comedores de patatas (1885), a sus características pinceladas ondulantes de tonos amarillos, verdes y azules intensos característicos de la obra de los dos últimos años y medio de su vida, durante su estancia en Arles; o los remolinos de las obras que pintaba durante sus repetidos ingresos en instituciones mentales como el manicomio de Sant-Rémy.

Otro apartado importante se denomina “Al aire libre o en el taller”, que muestra que Van Gogh procuraba pintar en lo posible al aire libre, aunque también trabajaba regularmente en su taller.

‘Van Gogh at work’ es, en definitiva, una manera única de contemplar la obra de uno de los pintores más reconocidos hoy día, uno de los grandes maestros del siglo XX, que desapareció un 29 de julio de 1890 tras pegarse un tiro con 37 años y habiendo vendido solo tres cuadros en vida.

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Autorretrato. 1887. Óleo sobre cartón. 19 x 14 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

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Autorretrato con sombrero de paja y pipa. 1887. Óleo sobre lienzo. 41.5 x 31.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

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Catorce girasoles en un jarrón. 1889. Óleo sobre lienzo. 95 x 73 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

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Jarrón con lirios sobre fondo amarillo. 1890. Óleo sobre lienzo. 92 x 73.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

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Ramas de almendro en flor. 1890. Óleo sobre lienzo. 73.5 x 92 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

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Vista de París desde la habitación de Vicent en la Rue Lepic. 1887. Óleo sobre lienzo. 46 x 38 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

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La casa amarilla. 1888. Óleo sobre lienzo. 72 x 91.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda

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Trigal bajo un cielo tormentoso. 1890. Óleo sobre lienzo. 50 x 100.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

Pacto con el diablo

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Las brujas o hechiceras han sido retratadas por numerosos pintores a lo largo de la historia. Hemos recogido algunas de esas obras que marcaron un punto importante en la Historia del Arte.

 

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Circe ofreciendo la taza a Ulises. 1891. John William Waterhouse. Óleo sobre lienzo.

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El Aquelarre. 1798. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. Museo Lázaro Galdiano. Madrid.

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Cuatro Brujas. 1497. Alberto Durero. Grabado en cobre.

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Dos brujas,  1523. Hans Baldung Grien. Óleo sobre lienzo. Alemania.

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Tres brujas y tres lobos,  1900. Eugène Grasset. Acuarela.

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Circe. 1986.  Claudio Bravo. Óleo sobre lienzo.

Egon Schiele

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“No hay arte nuevo. Hay artistas nuevos. El artista nuevo tiene que ser completamente fiel a sí mismo, ser un creador, ser capaz de construir sus propios cimientos directamente y solo, sin apoyarse en el pasado o la tradición… la formula es su antítesis”

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Desnudo de chica con pelo negro. 1910. Graphische Sammlung Albertina. Vienna. Austria.

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Retrato de Poldi Lodzinsky. 1910. Óleo y aguada. 109 x 36 cm. Colección privada.

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Tres muchachas. 1911. Acuarela y lápiz. 48 x 31.5 cm. Colección privada.

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Niño con nimbo en campo de flores. 1909. Tinta china con borde y lápiz. 15.7 x 10.2 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria.

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Niño durmiendo. 1910. Aguada y lápiz, con contorno blanco. 45.1 x 31.5 cm. Galerie Pels-Leusden. Berlín. Alemania.

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Girasol marchito. 1912. Aguada y lápiz. 45 x 30 cm. Colección privada, courtesy Galerie St. Etienne. Nueva York. EEUU.

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Joven rubia con medias verdes. 1914. Acuarela y lápiz. 48.1 x 32.3 cm. En paradero desconocido.

La femme fatale

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Una de las más célebres denominadas Femme Fatale (mujeres fatales)  ha sido y será Mata Hari.

Bailarina exótica, seductora incansable y mentirosa compulsiva, así era ella. Acabó ante un pelotón de fusilamiento tras ser juzgada como espía.

Su cuerpo, tras ser ejecutada, se llevó a la facultad de medicina para que sirviese para el aprendizaje de anatomía de los estudiantes, tal y como se hacía con todos los cadáveres de los ajusticiados. Pero su cabeza fue embalsamada y llevada al museo de criminales de Francia, hasta que fue robada en 1958, probablemente por un admirador.

«En Madrid, jamás llegué a pisar la calle, porque cada vez que aparecía en la puerta del Hotel Ritz, una legión de caballeros arrojaban sus capas al suelo para que caminara sobre ellas, poniendo ante mí una alfombra que nunca se acababa». Mata Hari.

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La suavidad de James Abbott Whistler

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Fue la figura principal del movimiento estético que desarrolló un nuevo estilo pictórico con la introducción de las ideas modernas en el arte británico. Hoy vamos a hablar de James Abbott McNeill Whistler.

El tema central de sus pinturas ocupa un segundo lugar, ya que se esconde tras el placer visual del color y las formas.

Se aprecian las sutiles armonías de colores suaves, formas cuidadosamente colocadas y una supresión de los detalles.

Escoge para sus obras temas sencillos que expresan su estado de ánimo.

La capa fina de pintura de las superficies se contradice con que trababjara tanto sus obras, eliminando sus esfuerzos hasta alcanzar su idea de la perfección, que debió de ser angustiosa para sus modelos.

Algunas obras conservan su marco original, diseñado por el propio artista para armonizar con el lienzo.

Es interesante su firma «mariposa», que usó a partir de 1870.

Estuvo muy influido por el arte japonés, Velázquez y Manet.

«Si el artista fuera quien solo pintara lo que viera, el rey de los artistas sería el fotógrafo»

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Crepúsculo en Valparaíso. 1866. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.

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En el piano. 1858-1859. Oil on canvas. Taft Museum, Cincinnati, Ohio, USA.

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Arreglo en gris y negro: Retrato de la madre del artista. 1871. Óleo sobre lienzo. 144 x 162 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

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Señorita Cicily Alexander. 1872. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.

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Valerie, Lady Meux. 1881. Óleo sobre lienzo. Colección Frick. New York. USA.

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Nocturno en oro y negro. La caída de cohetes. 1875. Óleo sobre tabla. 60,3 x 46,6 cm. Instituto de Arte e Imagen de Detroit. Michigan. USA.

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Nocturno. Luces en azul y plata. 1872. Óleo sobre lienzo. 50,2 x 74,3 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.

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La chica blanca. 1864. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.

Seurat: el genio del puntillismo

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Seurat fue un hombre tímido y solitario que murió repentinamente de meningitis a los treinta y un años, pero aún así nos dejó un legado artístico muy bueno.

Fue el instaurador del puntillismo y del divisionismo. Sus temas son la vida moderna y sus lugares. Su obra puede parecer austera y rígida porque pintaba según las teorías ya agotadas, no lo que veía o sentía.

Aplicó las últimas ideas sobre color y mezcla óptica: puntos de color puro sobre el lienzo (puntillismo), que la vista mezcla y que intentan dar una misma sensación de la luz.

Usó la fórmula lineal para expresar emoción: diagonal ascendente = felicidad; diagonal descendente = tristeza; horizontalidad = tranquilidad.

Sus teorías del color no funcionan en la práctica porque los pigmentos pierden su brillo y la vista tiende a mezclarlos hasta que parecen de un gris borroso.

Se desconoce por qué ignoró el significado de las líneas verticales.

Creó maravillosos dibujos mediante el pastel suave en negro sobre papel con textura, y pequeños bosquejos libres de sus grandes obras.

Utilizó margenes de color que complementan las zonas coloreadas de las obras.

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Pesca de la flota en el Puerto Bessin. 1888. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno. New York. USA.

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Caballo. 1884. Óleo sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.

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El Sena con ropa en la orilla. 1883-1884. Óleo sobre tabla. Collection Mr. and Mrs. Paul Mellon. Upperville. Virginia. USA.

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La torre Eiffel. 1889. Óleo sobre tabla. 9 1/2 x 6 in. Museo de Bellas Artes de San Francisco. San Francisco. California. USA.

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Mujer con mono. 1884-1885. Óleo sobre tabla. Smith College Museum of Art. Northampton. USA.

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Baño en el Sena. 1883-1884. Óleo sobre lienzo. The National Gallery. Londres. Inglaterra.

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Sábado por la tarde en la isla de La Grande Jatte. 1884-1885. Óleo sobre lienzo. 202 x 300 cm. Chicago Instituto de Arte de Chicago. Chicago. USA.

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Le Chahut. 1889-1890. Óleo sobre lienzo. Rijksmuseum Kroller-Muller. Otterloo. Holanda.

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Estudio para “Le Chaut”. 1889. Oil on panel. 21,8 x 15,8 cm. Courtauld Institute Gallery. London. England.

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El circo. 1891. 185,5 x 152,5 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

Los inicios del cine de la mano de Segundo de Chomón

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Hoy dejo aparcadas las pinturas por un momento para enseñaros un descubrimiento: Las películas mudas.

Es un terreno desconocido para mí, pero la película muda que me enseñaron ayer se llama: Los huevos de Pascua, y es de 1907.

El director es Segundo de Chomón, un pionero en el cine mudo español.

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Director, técnico de iluminación y de fotografía, especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y del cine de animación fue una de las personalidades más relevantes –y fascinantes– de los primeros treinta años de existencia del séptimo arte y trabajó al lado de algunos de los directores europeos más importantes del período.

Fue junto a los hermanos Lumière, Georges Méliès y Charles Pathé uno de los pioneros de la historia del cine. Impresionado por el descubrimiento del cinematógrafo, viajó a París en 1897 para poder estudiar este invento. A su vuelta a Barcelona, fundó un estudio para la colaboración de películas. En 1906 fue contratado por la empresa francesa Pathé, para la que realizó más de 100 cortometrajes.

Segundo Chomón trabajó en novedades técnicas y efectos especiales que luego aplicaba a sus películas fantásticas. Se ganó el apodo del “Méliès español”

 

 

En ésta película utiliza la técnica de doble exposición que permite cambiar el tamaño de los personajes. Colorea los fotogramas y les da un acabado muy preciosista

 

Una película que narra muy bien los inicios del cine es La invención de Hugo de Martin Scorsese.

¡Espero que os guste! Y recordad que es de 1907