Archivos Mensuales: marzo 2012

Sansón y Dalila

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Rubens  tenía 31 años cuando pintó esta magnífica obra repleta del talento entusiasta y enérgico que lo cubrió de honores y riquezas. El cuadro cuenta la historia del Antiguo Testamento (Jueces 16), de la caída de Sansón, el guerrero israelita de fuerza sobrehumana que fue el azote de los filisteos.

 

 

Sansón y Dalila. 1609 Óleo sobre lienzo. 185×205 cm. National Gallery. Londres. Inglaterra.

 

 

La ruina de Sansón fue causada por su deseo por la filistea Dalila, que lo sedujo e hizo que le revelara la fuente secreta de su fuerza -sus largos cabellos-.

El artista representa el tenso instante en que se le corta el primer mechón y los soldados se preparan para sacarle los ojos. Cuando el cabello le volvió a crecer, Sansón usó su fuerza recuperada para destruir el templo de los filisteos, sacrificando su propia vida en venganza.

El cuadro fue pintado para su íntimo amigo y mecenas Nicolaas Rockox, un rico e influyente concejal. Fue diseñado para ser colgado en lo alto de la repisa de la chimenea del gran salón de su casa de Amberes.

Con las mejillas sonrosadas de placer, Dalila se reclina lánguidamente. El ángulo de su cabeza recuerda al de la estatua de Venus en lo alto.

Las manos entrelazadas que sujetan las tijeras son una brillante metáfora visual del elaborado complot para derrotar a Sansón. El barbero realiza su tarea con absoluta concentración.

Las manos  de cada uno de los personajes principales revelan sus estados físicos y mentales.

La curva de la espalda de Sansón, guía la mirada hacia los rostros de los personajes.

La enorme constitución muscular de Sansón está inspirada en las obras de Miguel Ángel.

El cuadro está repleto  de materiales y colores suntuosos: seda, satén, y bordados rojizos y dorados.

El color dominante en la parte inferior izquierda del cuadro es un rojo rico y vibrante que se contrapone al cálido marrón y oro y a los tonos de la carne, maravillosamente traslúcidos.

Los rostros de los filisteos están iluminados desde abajo por una llameante antorcha. Entran a hurtadillas por la puerta y llevan afiladas estacas con las que sacarán los ojos a Sansón.

Los claroscuros de Rubens están muy influidos por Caravaggio.

¿Y Durero qué pintaba?

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Alberto Durero,  el más grande de los artistas del Renacimiento del Norte. Nació en Nuremberg; era prolífico, tenaz, inmensamente ambicioso y tuvo mucho éxito.

Viajó por toda Europa e hizo visitas clave a Italia en 1494 y 1505.  Fundió el estilo del norte de Europa con el italiano y tuvo una profunda influencia en el arte, tanto al sur como al norte de los Alpes. Afortunadamente, se conservan miles de sus trabajos.

Su padre era un orfebre que venía de Hungría y se formó en los Países Bajos, le enseñó la técnica del grabado y a admirar a Van Eyck y Van der Weyden. Durero tuvo ricos mecenas que lo animaron a viajar, y estableció su propio activo taller de Nuremberg.

Su matrimonio fue infeliz y no tuvo hijos. Sus pretensiones sociales y su inusual grado de afectación se revelan en sus numerosos autorretratos.

Autorretrato a los 26 años. 1498. Óleo sobre tabla. 52 x 41 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autorretrato a los 28 años. 1500. Óleo sobre tabla. 67,1 x 48,7 cm. Alte Pinakothek. Bayerischen. Staatsgemäldessammlungen. Munich. Alemania.

Fue un pintor muy dotado aunque también afectado, era el mejor y más innovador como impresor: produjo poderosas xilografías y grabados pioneros. Fue un artesano brillante y pintó acuarelas exquisitas.

Sus retratos son  de líneas fuertes , rostros curiosamente ladeados con grandes ojos líquidos y manos y pies hermosos y fuertes. Le fascinaba el paisaje, las plantas, los animales y cualquier otra cosa inusual.

Cabeza de ángel. 1506. Brush drawing on blue Venetian paper. 27 x 20,8 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria.

Rinoceronte. 1515. Pen driwing. 27,4 x 42 cm. The British Museum. Londres. Inglaterra.

El terrón grande. 1503. Acuarela sobre cartón. 41 x 31,5 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria.

La liebre joven. 1502. Acuarela sobre cartón. 21,5 x 22,6 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria.

Ala de pájaro. 1512. Watercolor and goucche on pachment. 19,7 x 20,1 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria.

La Fiesta del Rosario. 1512. Watercolor and goucche on pachment. 19,7 x 20,1 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria.

Retrato de mujer con el pelo recogido. 1496-1498. Óleo sobre lienzo. 56,5 x 42,5 cm. Gemäldegalerie Staatliche Museen zu Berlin Preußischer Kulturbesitz, Berlin. Alemania.

La adoración de la Santísima Trinidad. 1511. Óleo sobre tabla de chopo. 135 x 123 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.

 

 

Podemos ver en cada uno de sus cuadros posteriores a las visitas a Italia las grandes influencias en los colores, tan típicos de este país, así como la combinación del detallismo que caracteriza a los pintores de la Europa del Norte.

La crucifixión de Grünewald

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Hoy vamos a hablar de un cuadro de un autor concreto.

El autor es Matthias Grünewald, el cuadro La crucifixión. 

Fue encargo para ser la pieza central del altar principal de la capilla del monasterio de San Antonio, en Isenheim, cerca de Estrasburgo. En aquellos tiempos la peste era una enfermedad mortal, y en el monasterio había un hospicio de los monjes de la Orden de San Antonio para los enfermos de peste.

Los enfermos no tenían esperanza de recuperación, y con esta imagen se intentaba consolarlos y reforzar su fe -el mensaje es que Cristo, cuyo cuerpo destrozado se encuentra cubierto de llagas como las que causaba la peste, entiende su condición, y sufre con y por ellos-.

Las figuras de la izquierda, la Virgen María, y San Juan Evangelista, están casi presentes en las escenas de crucifixión, y representan la extrema angustia mental al contemplar la agonía de Cristo. Los enfermos de peste que se arrodillasen frente a este altar se identificarían con esta visión de sufrimiento.

La crucifixiónPanel central del altar de Isenheim. Óleo sobre tabla. 500 x 800 cm. Musee d’Unterlinden. Colmar.

– La cruz de madera se tensa bajo el peso de Cristo, lo que aumenta la angustia y tensión emocional de la escena.

– El tamaño de las figuras refleja su importancia: Cristo es la mayor, y María Magdalena la menor. La mayoría de artistas ya no usaban este mecanismo: por ello se considera esta obra como el último gran retablo medieval.

El fondo del cuadro es oscuro y amenazante. La oscuridad ha caído sobre la tierra como se describe en los Evangelios. Sólo se incluyen aquellas características esenciales para el mensaje espiritual.

La estoica figura del Bautista domina el lado derecho del cuadro. Los Evangelios nos dicen que Juan fue decapitado por Herodes mucho antes de la crucifixión. Su presencia simboliza el mensaje de la redención humana. Las palabras sobre su brazo dicen ” Él debe crecer, pero yo debo disminuir”

El cordero de Dios representa el sacrificio de Cristo al verter su sangre para salvar a la humanidad.

– La agonía de Cristo  está en sus pies, rotos su piel agujereada, sus brazos insoportablemente estirados, y sus manos que expresas intenso dolor, tanto físico como espiritual.

– María Magdalena,  la mujer arrodillada, ungió los pies de Cristo.

– El discípulo favorito de Cristo,  san Juan el Evangelista, consuela a María, la madre de Cristo, vestida de simbólico blanco.

La magia del espectáculo

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Edgar Degas fue uno de los mejores dibujantes de todos los tiempos. Consiguió construir un puente entre la tradición de los antiguos maestros y la modernidad.

Tímido, altivo, conservador y soltero.

Cada cuadro suyo muestra un mundo autónomo y ensimismado, fuera cual fuera la temática.

Incluso el tema de sus retratos provocan el contacto visual, no revelan nada.

La cantante verde. 1884. Pastel sobre papel azul. 58.4 x 45.7 cm.The Metropolitan Museum of Art. New York. Estados Unidos.

Retrato del Señor Duranty. 1879. Pastel y témpera. 100.9 x 100.3 cm. The Burrell Collection. Glasgow Museums & Art Galleries. Glasgow. Gran Bretaña.

Retrato de la señorita Marie Dihau. 1869-1872. Óleo sobre lienzo. 39 x 32 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

Las escenas de danza y de carreras son sus medios para explorar el complejo espacio y movimiento. Su técnica , su extraordinaria habilidad para el dibujo y la atención en los detalles son igualmente abstraidos. Es una de esas escasas uniones perfectas entre el tema central y los medios de expresión.

Clase de danza. 1871-1874. Óleo sobre lienzo. 85 x 75 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

Mademoiselle Lala en el Circo Fernando. 1879. Óleo sobre lienzo. 117 x 77 cm. The National Gallery. Londres. Inglaterra.

Repetición del ballet. 1875. Guache y pastel sobre lienzo. George G. Frelinghuysen Collection. New York. Estados Unidos.

La orquesta de la ópera. 1870. Óleo sobre lienzo. 56.5 x 46.2 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

En las carreras, ante las tribunas. 1866-1868. Óleo sobre papel. 46 x 61 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

A Degas le fascinaba la meticulosa pero innovadora artesanía y experimentó muchas técnicas: el pastel, la impresión y la escultura.

También le interesaba la fotografía, y tomó prestado y usó el efecto cut-off de forma brillante.

Trabajaba y modificaba el mismo tema para lograr una comprensión y perfección aún mejores.

Destaca que a menudo usara la diagonal en disminución como principal armazón de sus composiciones. Poseía una sorprendente sensibilidad para el color, incluyo cuando era ya mayor y estaba casi ciego.

Fin de arabesque. 1877. Óleo diluido con trementina repasada a pastel. 67 x 38 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

La estrella. 1876-77. Pastel sobre monotipo. 58 x 42 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

La lección de ballet. i1881. Óleo sobre lienzo. 81.6 x 76.5 cm. Colección W.P. Wilstach. Philadelphia Museum of Art. Filadelfia. Estados Unidos.

Espero que os hayáis acercado un poquito más a la forma de pintar de este genio.

” Espero el final gozosamente. Y espero no volver nunca”

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Ha sido y es una de las artistas más famosas de México. De ascendencia multicultural, de padre alemán y madre mexicana.

El post de hoy va dedicado a Frida Kahlo.

Con veintiún años fue a ver a Diego Rivera (con el cual se casó posteriormente, en varias ocasiones) para enseñarle algunos de sus trabajos.

Él le dijo a Kahlo que encontraba su trabajo expresivo, sensual, y de un estilo decididamente propio.

Frida y Diego Rivera. 1931. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno de San Francisco. California. Estados Unidos.

Autorretrato con monos. 1943. Óleo sobre tela. 81,5 x 63 cm. Colección Gelman. Ciudad de México. México.

Todos sus cuadros reflejan los sucesos de su tormentosa vida que no solo se vio ensombrecida  por su infeliz matrimonio. Frida sufrió de mala salud toda su vida.

Esta artista creó poderosas imágenes figurativas que sintetizaban su sufrimiento, tanto físico (quedó lisiada a los quince años en un accidente de coche) c0mo emocional (un matrimonio tormentoso con Diego Rivera), explorando los temas de la política y la identidad mexicanas.

En 1925, ella viaja en autobús cuando este, se chocó con un tranvía, teniendo la artista así, que vivir con un corsé ortopédico.

La columna rota. 1944. Collection Dolores Olmedo. Ciudad de México.

Las dos Fridas. 1939. Óleo sobre lienzo. 173 x 173 cm. Museo de Arte Moderno de México. México.

Autorretrato con el doctor Juan Farril. 1951. Óleo sobre lienzo. Colección Privada. Ciudad México. México.

Estas desdichas y enfermedades pesaron mucho en ella y convirtió así su propio dolor físico y psicológico en el tema de muchas de sus obras.

Su estilo estaba influido por el arte popular mexicano, en especial por los cuadros votivos.

La novia que se espanta de ver la vida abierta. 1943. Óleo sobre lienzo. Collection of Jacques & Natasha Gelman.Ciudad de México. México.

Autorretrato. 1938. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.

Diego en mi pensamiento.  1943. Óleo sobre liezo. Collection of Jacques & Natasha Gelman.Ciudad de México. México.

Cuando su salud empezó a empeorar rápidamente, quiso suicidarse: “Sólo si Diego me lo impide”. Frida murió una semana después de cumplir 47 años y la última anotación de su diario dice: ” Espero el final gozosamente. Y espero no volver nunca”

Ahora me gustaría plantearos una pregunta, ¿Su arte es meramente provinciano o  llega a los niveles más profundos de la emoción?

Arte al servicio del pueblo

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El gran colorido que domina sus obras me llenó desde un principio.

Diego Rivera era un grande en cuanto al físico, en cuanto a la personalidad carismática y en cuanto a la cantidad y escala de su obra, que representaba la realidad social de una forma muy convincente.

Marxista amado y financiado por grandes capitalistas estadounidenses. Los murales a gran escala que creó en los años veinte y treinta fueron diseñados para espacios públicos, expresan una visión utópica de la sociedad y son afirmaciones políticas del arte al servicio de una población.

Su visión era una unión de la historia indígena de México y una máquina para viajar al futuro en la cual el pasado, el presente, el futuro, la naturaleza, la ciencia, la humanidad, lo masculino y lo femenino y todas las razas conviven en armonía.

Baile en Tehuantepec. 1928. Óleo sobre tela. 199 x 162 cm. Colección privada. Estados Unidos.

Cultura totonaca. México prehispánico y colonial. Diego Rivera. 1950. 4.92 x 5.27 m. Panel 6. Pared norte.

Figura representado la cultura asiática. El agua, origen de la vida. Diego Rivera. 1951. Ciclo de fresco sobre poliestireno y goma. Suelo y 4 pinturas murales. Total 224 m2. Cárcamo del río Lerma. Chapultepec-Park. Ciudad de México.

América prehispánica. 1950. Óleo sobre lienzo. 70 x 92 cm. Colección herencia de Licio Lagos. Ciudad de México.

La molendera. 1924. Encaústica sobre lienzo. 106.7 x 121.9 cm. Museo de Arte Moderno de México. México. Estados Unidos.

 

 

 

 

Recuperó el arte del verdadero fresco monumental, física y conceptualmente.

Es realmente milagroso cómo convierte su visión en grandes imágenes llenas de gente. Sintetizó sus conocimientos sobre el arte precolombino, modernismo (el espacio cubista), realismo, y los primeros frescos renacentistas (las formas monumentales y simplificadas de Giotto, Masaccio y Piero) y los transformó en espectáculos decorativos organizados y controlados, con el instinto del narrador para los detalles memorables. También creó  seductores cuadros a escala reducida y bosquejos: retratos, figuras, escenas narrativas y naturalezas muertas.

Desnudo con alcatraces. 1944. Óleo sobre aglomerado. 157 x 124 cm. Colección Emilia Gussy de Gálvez. Ciudad de México.

Vendedora de flores. 1949. Óleo sobre aglomerado. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. España.

Cargador de flores. 1935. Óleo y tempera sobre aglomerado. 121,9 x 121,3 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco. California. Estados Unidos.

Retrato de Natasha Zakólkowa Gelman. 1943. Óleo sobre lienzo. 115 x 153 cm. Colección de Jacques y Natasha Gelman. Ciudad de México.

Retrato de la Sra. Doña Elena Flores de Carrillo. 1953. Óleo sobre lienzo. 140 x 221.5 cm. Colección de Elena Carrillo. Ciudad de México.

Desdibujando nuestras ideas

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Hoy os propongo un juego.

Es un juego para que veáis que muchas veces consideramos sobre un pintor en concreto cosas como: “No sabe pintar”; “Que pocos colores utiliza” ;”¿Dónde esta la perspectiva?”; “No utiliza proporciones”. Es decir encerramos a los artistas en una categoría concreta, y salir de ahí es muy complicado.

Os quiero enseñar, como la mayoría de los artistas han estudiado, y conocen perfectamente el uso de los colores, los materiales, la perspectiva, y los tamaños que se deben usar. Así como siempre han sido grandes conocedores de las grandes temáticas, como puede ser mitología o religiones.

Habrá muchos pintores que nos sorprendan de una manera agradable el conocer, que ellos son capaces de lo que hacen, lo que han hecho, y que no paran de estrujarse la mente para desdibujar los ideales que se habían considerado hasta el momento.

Se trata de adivinar a que autor pertenece cada obra. No se si las conoceréis pero intentaré que os sorprenda.

La primera comunión. 1896. Óleo sobre lienzo. 166 x 118 cm. Barcelona. España.

Le moulin de la Galette. 1886. Óleo sobre lienzo. 46 x 38 cm. Glasgow Art Gallery and Museum. Glasgow. Escocia.

La barca. 1919. Óleo sobre cartón. 24 x 19 cm. Donación del artista al Estado español. Depositado en la Fundación que lleva su nombre.

Niño con un pájaro. 1624-1625. Óleo sobre lienzo. 50.8 x 40.5 cm. Gemäldegalerie. Berlín. Alemania.

Odalisca. 1926. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm. The Metropolitan Museum of Art. New York. Estados Unidos.

Bueno ahora que ya habéis visto una pequeña muestra, antes de seguir bajando sabríais decirme si ¿Conocéis el artista que ha realizado cada cuadro?

Os prometo que a todos los conocéis, y por ello os voy a mostrar una las obras más conocidas de cada autor:

La primera obra pertenece al autor de esta otra:

Las señoritas de Avignon. Pablo Ruiz Picasso. 1907. Óleo sobre lienzo. 243,9 x 233,7 cm. Museo de Arte Moderno. New York. Estados Unidos.

La segunda obra es del mismo autor de esta que os muestro a continuación:

Noche estrellada. Vicent Van Gogh. 1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno. New York. Estados Unidos.

La tercera obra es de este otro genio:

La persistencia de la memoria. Salvador Dalí. 1931. Óleo sobre lienzo. 24 x 33 cm. Museo de Arte Moderno. New York. Estados Unidos.

El cuarto autor que he puesto ha sido el de esta obra tan famosa:

Las tres gracias. Pedro Pablo Rubens. Lienzo. 221 x 181 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Y por último

La danza. Henri Matisse. 1909-1 910. Óleo sobre lienzo. 260 x 390 cm. Museo de Arte Moderno. New York. Estados Unidos.

Espero que os haya gustado este “juego”. Algo breve pero espero que eficaz.