Archivos Mensuales: abril 2012

Los paisajes de Bernardo Bellotto

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Hoy vamos a conocer a Bernardo Bellotto, quizá más conocido por ser el sobrino de Canaletto, de quién aprendió el oficio.

Abandonó Italia en 1747 por problemas familiares y no regresó nunca.

Su colorido en general es más sombrío que el de su tío.

Vista de Turín al lado del palacio real. 1745. Óleo sobre lienzo.129,5 x 174 cm. Galleria Sabauda, Turin.

Pintó vistas de las ciudades nórdicas encargadas por sus mecenas, los aristrócatas pasados de moda que las gobernaban y que le nombraron pintor de la corte (Dresde, Viena, Varsovia).

Dresde desde la orilla derecha del Elba. 1748. Óleo sobre lienzo. 141 x 232 cm. Colección privada. Madrid. España.

La fortaleza de Sonnestein, en Pirna. 1753-1756. Óleo sobre lienzo. 132 x 235 cm. Galéria de pintura. Dresde. Alemania.

Iglesia de San Juan y San Pablo en Venecia. 1743-1747. Óleo sobre lienzo. 708 x 1.110 m. The National Gallery of Art. Washington. USA.

Vista de Verona desde el puente nuevo. 1747-48. Óleo sobre lienzo. Gemäldegalerie, Dresden.

Sus obras a gran escala se diferencian de las de Canaletto por el tema central, que es distinto, y por su paleta, son azules verdosos más fríos y plateados (pintaba sobre lienzos preparados en negro).

Vista idealizada en torno a Padua. 1740-1742. Óleo sobre lienzo. 48,5 x 73 cm. Museo Thyssen-Bornemisza.

Su uso del espacio es menos imaginativo, solo utilizaba un punto estándar de perspectiva, pero su reacción ante los árboles y la vegetación es mejor.

Sus detalles anecdóticos son buenos, pero la pintura de las figuras es más tosca que la de Canaletto.

Vista de Viena desde el Belvedere. 1759-1760. Óleo sobre lienzo. 135 x 213 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.

Héroes griegos

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Hace no mucho os hablé de Hércules, héroe de la antigüedad.

Ayer, leí un post que trataba de los héroes griegos que se han utilizado para la gran empresa del cine. La cantidad de películas que se han hecho con esta temática, y como varían los film, utilizando grandes especialistas de efectos especiales. Os recomiendo que le echéis un vistacillo.

Pues hoy había pensado en hablaros sobre los héroes griegos, y poneros unos ejemplos de como son retratados a lo largo del tiempo, y es que la mitología siempre fue uno de los grandes recursos (además de la religión), utilizados por los artistas.

Así que hoy os enseñaré una limitada muestra de pintura en cuanto a héroes griegos se refiere:

AQUILES:

Educado por el centauro/médico Quirón, fue el mayor héroe(porque héroe en puridad es sólo quien conoce su destino adverso y está dispuesto a asumirlo) de los que acudieron a Troya. Hijo de la nereida Tetis y del mortal Peleo. Despechado públicamente por Agamenón en lo más íntimo de su honor, se retira del combate y pone en peligro la expedición de los griegos contra Troya. Sólo la muerte de Patroclo (su sentido de la amistad) lo hace reincorporarse al combate. A sus manos muere Héctor y el mismo, “el de velocísimos pies” encuentra la muerte alcanzado desde lejos por una flecha del cobarde Paris. El disparo le alcanzó en el talón, único punto vulnerable de todo su cuerpo.

La educación de Aquiles. Regnault. 1782. Lienzo. 261 x 215 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

JASÓN:

Héroe tesalio a quien su tío Pelias había arrebatado el trono de Yolcos. Sin duda su hazaña más famosa fue participar como jefe de la expedición de los Argonautas que fueron a buscar el Vellocino de Oro, empresa casi imposible de realizar y en la que a buen seguro podría encontrar la muerte. Embarcó, pues, en la nave “Argo” tras haber reunido a los más valientes héroes de Grecia. Con ayuda de la maga Medea consigue el Vellocino de Oro y emprende su regreso a Grecia. Se casó con Medea a quien más tarde abandonó aunque ella se resarciría luego de esta afrenta.

Jasón con el vellocino de oro. Quellinus Erasmus. Lienzo. 181 x 195 cm. Museo del Prado. Madrid. España. Barroco Clásico.

ODISEO:

Protagonista de “La Odisea”, varón provisto de una aguda astucia por excelencia manejaba a su arbitrio decenas de artimañas para combatir la guerra y para su propia sobrevivencia. Es un nuevo tipo de héroe, muy diferente del carácter monolítico de Aquiles, por ejemplo. Participa en la expedición a Troya en tanto que rey de la isla de Itaca. Sufre mil peripecias y desventuras durante los diez años que tardó en regresar de Troya a Itaca. Visitó a los legendarios cíclopes, bajó al reino infernal para entrevistarse con el adivino Tiresias, cruzó el mar por donde viven las hechiceras sirenas cantoras, transita entre Escila y Caridbis, entre otros sitios. En fin, mientras dura estos errabundeos, su único hijo, Telémaco, ha salido en su busca. Ulises se presenta finalmente en Itaca disfrazado de mendigo, ya que quiere comprobar quiénes de sus servidores le continúan siendo fieles. Es reconocido por su vieja aya Euriclea, y con la ayuda de su hijo castiga a los pretendientes de su esposa Penélope que en su ausencia aspiran a ser esposos de ésta además de dar de baja gran parte de los bienes de Odiseo.

Odiseo atado al mástil de su barco.  Leon Belly. Museo de l’Hotel Sanderin, Saint Omer, Francia

TESEO:

Rey héroe nacional ateniense, hijo del rey Egeo(o del dios Poseidón). La tradición le hizo amigo y compañero de aventuras de Heracles/Hércules. Una de sus más notables hazañas fue castigar al bandido Procrustes, quien disponía de dos lechos(uno de talla grande y otro de talla pequeña) en los que hacía acostarse a los viajeros que pasaban por sus dominios: a los que eran altos los reducía hasta que cupieran en la cama pequeña, y a los de baja estatura los estiraba hasta ajustarlos a la grande. Teseo lo castigó aplicándole este mismo método. Más tarde acude a Creta, da muerte al Minotauro y se casa con Ariadna. Luchó también contra las Amazonas, y ayudó a Pirítoo en su combate contra los Centauros.

Teseo en el laberinto del minotauro. Edward Burne Jones. 1862. Diseño de una portada.

PERSEO:

Hijo de Dánae, hija del rey Acrisio. Un oráculo había advertido a éste que moriría a manos de un hijo de Dánae, por lo que había advertido a ésta fue encerrada en una cámara de bronce. Mas el enamorado Zeus la visitó en forma de lluvia de oro con la que fecunda a Dánae, de quien nace `Perseo. Arrojadas al mar la madre y el niño por orden de Acrisio, fueron rescatados por el pescador Dictis. Siendo ya joven Perseo consigue cortar la cabeza a la Gorgona Medusa ayudado por la diosa Atenea y rescata a Andrómeda. Lanzando el disco en unos juegos deportivos mata accidentalmente a su abuelo Acrisio, cumpliéndose así el oráculo.

Perseo liberando a Andrómeda. Pedro Pablo Rubens. Lienzo. 265 x 160 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Las meninas a través del tiempo

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Hoy vamos a hacer un recorrido por una de las grandes obras del mundo. Una de esas mundialmente conocidas, y que llena la sala ovalada de la segunda planta del Museo del Prado.

Y es que cuando estuve trabajando allí, numerosos visitantes de todo el mundo se te acercaban con una guía de España, y ya fuese chapurreando en inglés o bien mediante gestos, te preguntaban señalando en su guía que dónde estaba esa obra colocada.

No sabéis el enorme placer de poder ver todos los cuadros, pasear por las galerías cuando el museo aún no había abierto sus puertas, y sobretodo plantarse delante de esta obra y observar. No poder parar de mirar cada pincelada que llenaba el cuadro, y tan solo escuchar en la sala el tic-tac de mi reloj, el único capaz de romper ese silencio absoluto.

¿Sabéis ya de que obra hablo?

El título de la pintura es La familia de Felipe IV,  aunque generalmente se conoce con el sobrenombre de  Las  Meninas.

La familia de Felipe IV. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. 1656. Óleo sobre lienzo. 318 x 276 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Velázquez juega, elaborada y artificiosamente, con nuestra percepción y las interrelaciones en el retrato. Él mismo aparece en la izquierda, pintando sobre un gran lienzo, pero ¿Porqué está allí y que hay en el lienzo? No puede ser el retrato de la infanta, puesto que está detrás de ella. La respuesta se haya en el espejo, al fondo de la sala. Refleja al rey y a la reina, que posan para el pintor. La pequeña infanta ha entrado en la sala para observarlos. Así Velázquez ha invertido todas las normas y expectaciones del retrato.

El pintor, forma una parte importante del cuadro, como símbolo de la liberación del arte de la pintura. Una lucha que tuvieron numerosos artistas a lo largo de su vida, ya que el pintor era considerado artesano, y no un trabajador libre.

La cruz de la Orden de Santiago fue pintada una vez muerto Velázquez y dice la leyenda que fue el propio rey el que la pintó.

El cuadro que estaría pintando en ese instante de los reyes, estaría en el Alcázar de Madrid (residencia real antes de la creación del Palacio) y cuando ardió numerosa obra de Velázquez que allí estaba desapareció con el fuego, como es el caso de este retrato.

Las meninas son las damas de honor que asisten a la pequeña infanta, que reciben ese nombre por el portugués, significando en castellano, niña, dama.

A lo largo de los siglos este cuadro ha sido reinventado por numerosos artistas, de los cuales os dejo algunos ejemplos:

Las meninas. Francisco de Goya y Lucientes. 1780. 1785. Aguafuerte, aguatinta y punta seca. 40,5 x 32,5 cm.

Meninas. Pablo Ruiz Picasso. Museo Picasso de Barcelona. Barcelona. España.

Las meninas. Salvador Dalí. 1976-1977. Óleo sobre lienzo. Obra esteoscópica. 35.6 x 25.1 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Madrid. España. Donación de Dalí al Estado español.

Las meninas. Salvador Dalí. 1960. Aguada. 23 x 18 cm. Colección Mr. y Mrs. Julien Levy. Bridgewater.

Las meninas (según Velázquez). Pablo Ruiz Picasso. 1957. Óleo sobre lienzo. 194 x 260 cm. Museu Picasso. Barcelona. Catalunya. España.

Las meninas. Equipo crónica: Pintura sobre papier mâché. 50 x 80 x 47 cm. Colección Elke Stelling-Amadeo Gabino. Madrid. España.

San Jorge y el dragón

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Cuenta la leyenda que  en Capadocia, había un dragón que atacaba al reino. Muertos de miedo, los habitantes decidieron entregarle cada día dos corderos al dragón para satisfacer su hambre y que no atacase la villa. Pero cuando los animales empezaron a escasear se decidió enviar a una persona -escogida por sorteo- y un cordero. Aquella familia que veía cómo un miembro era devorado por el dragón recibía, a cambio, todo tipo de riquezas como compensación.

 Un día fue la princesa la escogida por sorteo para acompañar al cordero. Sea como fuere, de camino hasta la cueva del dragón, la princesa se encontró al caballero Jorge y éste, matando al dragón clavándole su espada, la rescató. De la sangre que brotó del cuerpo sin vida del monstruo nació una rosa roja que el caballero le entregó a la princesa.

El rey ofreció al caballero todas las riquezas a imaginar, pero él prefirió que se repartieran entre los habitantes del reino. Además, se construyó una iglesia en su nombre, de la cual brotaba un agua milagrosa que era capaz de curar a los enfermos.

Lucha de San Jorge y el dragón. Pedro Pablo Rubens. 1606-1610. Óleo sobre lienzo. 304 x 256 cm. Museo del Prado. Madrid. España

San Jorge luchando con el dragón. Paolo Ucello. 1456. Temple sobre lienzo. 57 x 73 cm. The National Gallery. Londres. Inglaterra.

San Jorge y el dragón. Rafael Sanzio de Urbino. 1504. Óleo sobre tabla. 31 x 27 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

San Jorge matando al dragón. Bernardo Martorell. 1430-1435. Temple sobre tabla. Instituto de Arte de Chicago. Chicago. USA.

La boda de San Jorge y la princesa Sabra. Dante Gabriel Rossetti. 1857. Acuarela. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.

¡Feliz día de San Jorge a todos los Oscenses, Maños, Turolenses, Barcelonenses, Gerundenses, Leridanos y Tarraconenses, así como a todos los Jorges!

Los fantasmas de Goya

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El artista del que hoy os voy a hablar fue una figura solitaria que produjo una amplia gama de poderosas obras, y uno de los grandes retratistas de todos los tiempos, influyendo en muchos pintores franceses del siglo XIX, sobre todo Manet.

Nació en Zaragoza y su nombre completo fue Francisco de Goya y Lucientes, trabajó para la Real Fábrica de tapices, y  después se convirtió en pintor de la corte.

El pelele. 1792. Óleo sobre lienzo. 267 x 160 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

La gallina ciega. 1788-1789. Óleo sobre lienzo. 269 x 350 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

La cometa. 1777- 1778. Óleo sobre lienzo. 269 x 285 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

El quitasol. 1777. Óleo sobre lienzo. 104 x 152 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Admirador de la Ilustración francesa, sentía gran interés por la apariencia y el comportamiento. Comprendió la juventud y la vejez, la esperanza y la desesperanza, la inocencia y los peores aspectos de la bestialidad humana.

El sueño de la razón  produce monstruos. Estampa de la edición de 1799. Aguafuerte y aguatinta. Museo del Prado. Madrid. España.

Linda maestra. 1799. Aguafuerte, aguatinta bruñida y punta seca. 21,4 x 15 cm.

Que viene el coco. Estampa de la edición de 1799. Aguafuerte y aguatinta bruñida. Museo del Prado. Madrid. España.

Su arte habla de España y las obsesiones del país. Es inquietantemente memorable porque nunca juzga (simplemente muestra el carácter humano tal y como es), y porque sus obras son siempre bellas a la mirada, incluso cuando el tema tratado es horroroso.

Los fusilamientos del 3 de mayo. 1814. Óleo sobre lienzo.  266 x 345 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Sus retratos son sorprendentes. Uno tiene una angustiosa sensación que el rol entre el que posa y el espectador se ha invertido; ellos examinan nuestras opiniones sobre el comportamiento humano tanto como nosotros les escrutamos a ellos.

Fernando VII con manto real. 1814. Óleo sobre lienzo. 212 x 146 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Majas en el balcón. 1810-1815. Óleo sobre lienzo. The Metropolitan Museum of Art. New York. Estados Unidos.

Jovellanos. 1790. Óleo sobre lienzo. Colección Privada. Suíza.

 Como curiosidad os dejo estas dos obras, creada primero la Maja desnuda, era pornografía de la época. Más tarde se le encargó a Goya una “tapadera” creando así la Maja vestida. Mediante un sistema de bisagras la maja vestida tapaba a la maja desnuda, que tan solo necesitaba que se levantase el primer cuadro para ser vista.

La maja vestida. 1800-1805. Óleo sobre lienzo. 95 x 190 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

La maja desnuda. 1795. Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Os recomiendo la película Los fantasmas de Goyapero he de decir que tiene escenas bastante fuertes, no apta para público sensible.

Como siempre estoy abierta a que me propongáis temas, tanto por twitter como por correo electrónico:

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Desnudas, como vinieron al mundo

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Aunque los minoicos y luego los antiguos griegos tenían bañeras, fueron los romanos quienes popularizaron los baños. Epítome de la civilización romana, las termas o baños eran lujosos y espaciosos. Las piscinas, las paredes, incluso los suelos estaban calientes.

Ejemplos espléndidos de la arquitectura urbana, las termas eran lugares donde los hombres se bañaban, se hacían la manicura y la pedicura, tomaban baños de vapor y hacían ejercicios gimnásticos.

La bañista de Valpinçon. 1808. Óleo sobre lienzo. 146 x 98 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

Eran el centro neurálgico de la actividad social y política. Se sabe que los romanos tomaban decisiones de gran trascendencia mientras se empapaban de vapor o daban vueltas por los baños, calzados con sandalias y envueltos en toallas.

Con la caída del Imperio Romano, esta gloriosa cultura del baño desapareció de la escena europea.

Boceto de bañista turca. Jean-Auguste-Dominique Ingres. 1859. Oil on paper. 25 x 26 cm. Musée Ingres. Montauban.

Lo que más tarde la sustituyó, tenía, ciertamente, una escala mucho más modesta.

Por ejemplo la Nuremberg medieval, alardeaba de un total de trece “salas de baño” públicas, en las cuales se llenaban con agua caliente enormes bañeras de madera.A veces también había salas de baño y reposo calentadas por estufas revestidas de azulejos.

Pequeño baño dentro de un harem. 1828. Óleo sobre lienzo. 35 x 27 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

Estos baños no eran solamente lugares para promover la cultura del cuerpo; también se usaban como consultorios médicos donde se extraían muelas, se hacían sangrías, se aplicaban ventosas a la espalda y al pecho de los que tenían catarros y se realizaban operaciones menores.

La Iglesia desaprobaba los baños debido a los voluptuosos placeres que se disfrutaban allí.

Las “encargadas del baño” eran mujeres licenciosas que, según se dice, eran la razón de que el rey Wenceslas IV de Bohemia visitara los establecimientos de baño de Praga, su capital, con mucha más frecuencia de la que convenía a su sensible piel.

Odalisca. 1825. Litografía. The National Gallery of Art. Washington. Estados Unidos.

En Oriente Próximo, por el contrario, la antigua cultura de los baños ha sobrevivido, porque ir a un hamman está prescrito por el islam.

Inspirado por el relato que Lady Mary Wortley Montagu hizo de sus viajes por la zona, el pintor francés Jean Auguste Dominique Ingres pintó a mujeres de una casa de baños turca.

El celebrado maestro tenía ochenta y tres años cuando puso el broche de oro a su obra al pintar la escena del baño turco.

El baño turco. 1862. Lienzo sobre tabla. Diámetro: 108 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

Ingres hizo cientos de bocetos preliminares para el cuadro, que regaló finalmente a Carlos Luis Napoleón.

No obstante la pintura fue devuelta, según se dice porque la esposa del príncipe, Eugenia de Montijo, se escandalizó al ver a esas señoras desnudas, pintadas tan sensualmente en la extraordinaria obra de Ingres.

Boceto de baño turco. Jean-Auguste-Dominique Ingres. 1859. Pencil on paper. 42,6 x 15,8 cm. Musée Ingres. Montauban.

Cuando El baño turco  se expuso en una segunda versión, esencialmente sin cambios, fueron esos desnudos los responsables de los elogios generalizados que recibió la obra.

Los críticos la alabaron como “cita con la coquetería oriental” o, con bastante crudeza, “festín de deleite carnal” y un “bodegón de palceres sensuales”.

Boceto de baño turco. 1859. Charcoal and chalk on paper. 62 x 49 cm. Musée du Louvre. París. Francia.

Sin ninguna duda causó un gran efecto en Picasso y otros artistas, que la admiraron por su composición y por su lenguaje formal.

Después de esta obra maestra no se consideró que Ingres fuera un “exponente del neoclasicismo, sin sangre en las venas”. A partir de entonces, fue un “revolucionario”, un pionero.

15 de Abril, día mundial del Talento y la Creatividad de las manos de Leonardo

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Debido a una proposición de una seguidora de Twitter, hoy os hablaré de Leonardo Da Vinci, ya que ayer, día 15, fue el 560 aniversario de su nacimiento.

Fue un genio único , quizá solitario. El renacentista universal: científico, inventor, filósofo, escritor, diseñador, escultor, arquitecto y pintor.

Su mente era tan fértil, que raramente terminaba algún trabajo, y existen relativamente pocos cuadros suyos.

Cambió la posición del artista, de artesano a caballero, y fue fundamental para la creación del arte florentino del Renacimiento.

 

Apuntes de anatomía. 1510. Dibujo. Royal Library. Castillo de Windsor. Windsor. Inglaterra.

Automóvil. 1478-1480. Pen and brush on paper. 27 x 20 cm. Biblioteca Ambrosiana. Milan. Italia.

Ballesta gigante. 1485-1488. Dibujo. 20,2 x 27,25 cm. Codex Atlanticus. Pinacoteca Ambrosiana de Milán. Milán. Italia.

Cabeza masculina gritando. 1504-1505. Tiza. 22,7 x 18,6 cm. Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría.

Vida y obra:

Leonardo nació en Vinci, cerca de Florencia, hijo ilegítimo de un notario cuando la ilegitimidad era un grave estigma. Tal vez esto le llevara a alejarse de los demás.

Leonardo aprendió con Verrochio, pero la mayor parte de su vida la pasó trabajando en la corte de princesas y duques extranjeros que a veces estaban en guerra con Florencia. Los Médicis lo ignoraron completamente.

Después de 1483, trabajó para Ludovico Sforza, duque de Milán, pero regresó a Florencia tras la invasión francesa de Milán en 1499. Entre 1500 y 1516 creó muchos de sus más famosos cuadros.

Pasó sus últimos años al servicio de Francisco I de Francia y, según la leyenda, murió en  brazos del rey, cerca de Amboise, en el Valle del Loira.

El legado más destacado de Leonardo son sus cuadernos llenos de escritos y bosquejos en los que examinaba sus ideas íntimas sobre el arte y la ciencia, sus observaciones de la naturaleza y diagramas de visionarios proyectos científicos y mecánicos.

Cráneo. Pen and ink. Galería de la Academia. Florencia. Italia.

Disección del cuerpo femenino. 1510. Dibujo. 47 x 32,8 cm. Royal Library. Castillo de Windsor. Windsor. Inglaterra.

Caricatura de cinco cabezas. 1490. lápiz y tinta sobre papel. 18 x 12 cm. Galería de la academia de Venecia. Venecia. Italia.

Sistema de defensa. 1480-1482. Codex Atlanticus. Pinacoteca Ambrosiana de Milán. Milán. Italia.

Estudio de batallas a caballo y a pie. 1503-1505. Lápiz y tinta sobre papel. 14,5 x 15,2 cm. Galería de la Academia de Venecia. Venecia. Italia.

Útero. 1510-1513. Dibujo. 30 x 20 cm. Royal Library. Castillo de Windsor. Windsor. Inglaterra

Estilo:

Leonardo poseía una insaciablecuriosidad por descubrir cómo funciona todo, y después lo ponía en práctica, como se puede comprobar en sus dibujos anatómicos, observados con atención, sus planos de máquinas voladoras, ect.

Sus cuadros multicapa investigaban estos temas y también exploraban la belleza, la fealdad, la espiritualidad, la relación del hombre con Dios y los “movimientos de la mente” (psicología). Su técnica era inventiva y descuidada.

Leda, 1510-1515. Óleo sobre tabla. 112 x 86 cm. Galería Borghese de Roma. Roma. Italia.

Cabeza de mujer. 1480. Óleo sobre tabla. 27 x 21 cm. Galería Nacional de Parma. Parma. Italia.

La Virgen de las rocas. También conocido como: “La Virgen con el Niño, San Juanito y un ángel”1483-1486. Óleo sobre tabla. 199 x 122 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

La última cena. 1495-1497. Fresco. 460 x 880 cm. Refectorio del Convento de Santa María delle Grazie. Milán. Italia

Qué buscar:

¿Por qué es tan importante la Gioconda? Causó sensación porque era natural en un modo nunca visto. Comprende un brillante conjunto de innovaciones técnicas y de percepción, como el uso de la pintura al óleo, la pose relajada, la figura suave y misteriosa sin perfilar o los dos paisajes, y exige que la imaginación del espectador sustituya al significado interno y los detalles visuales que no aparecen.

Estableció un nuevo estándar que reafirma que, en lo creativo, el arte que interacciona es siempre el mejor.

Mona Lisa. También conocido como “La Gioconda”. 1502. Óleo sobre tabla. 77 x 53 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

 

Con respecto a este cuadro, ¿Habéis podido ver el cuadro que es una copia de este, de la misma época, realizado por uno de los discípulos de Leonardo?

 

Espero que te haya gustado, Dolores.

Si tenéis más propuestas no dudéis en escribirme a :

– @Historiadpincel

– Historiadepinceles@hotmail.es