Archivos Mensuales: junio 2012

El humor gráfico de Pawla Kuczynskiego

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Ayer llegó a mi vista un nuevo artista. Se llama Pawla Kuczynskiego,  aunque también puede ser más fácilmente encontrado por el nombre de Pawel Kuczynski,  polaco nacido en 1976, estudió Bellas Artes y es a partir de 2004 cuando se da a conocer gracias a su obra.

Es un artista que realiza humor gráfico, unas caricaturas humorísticas mediante el uso de la crítica social. Busca en general la reflexión con lo que pasa a nuestro alrededor mediante el uso del humor. Algo que lleve al espectador a la meditación y que mediante ello, lleve a una irritación con lo que pasa con la sociedad actual.

Nos hace pasar del humor hasta alcanzar la cierta realidad y con ello, el pesar de la crítica real.

Sus dibujos críticos recuerdan a los realizados a principios del siglo XX.

Algunos de los temas que trata son la desigualdad, el racismo, el deterioro del medio ambiente, la guerra, la industrialización, o el ataque tecnológico.  Un artista que llena sus obras de una crítica social.

Con este artista podemos decir que es cierto eso de que “Una imagen vale más que mil palabras”

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Desnudándose ante Spencer Tunick

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Hoy os voy a hablar de un artista conocido y polémico. No se muy bien si su nombre os sonará pero sin duda, las fotografías que realiza sobre su arte si que lo harán.

Hablamos de Spencer Tunick, un artista contemporáneo que se dedica al happening. ¿Y qué es eso del happening? Pues es una manifestación artística, que está integrado dentro de lo que conocemos como Performance.

La performance busca animar al público a cuestionar su concepto de la vida, su política, y las relaciones sociales y psicológicas.

La provocación, el asombro, y el sentido que le damos a la estética juegan un papel muy importante en las performances.

Y el happening lo que busca es que el público participe de una manera voluntaria. Este hecho hace que los happening se suelan realizar en lugares públicos.

Nuestro artista nace en Estados Unidos hace 45 años, y nace en el seno de una familia de orígenes judíos. Con 19 años viajó a Londres y empezó a fotografiar, pero no fue hasta 1992 cuando en Nueva York comenzó a tomar fotografías de personas desnudas por sus calles. A partir de esta fecha sus fotos comenzaron a hacerse muy populares y decidió viajar por todo Estados Unidos, y más tarde hizo una gira internacional tomando fotografías por diversas ciudades.

Su arte es muy criticado, ¿Sus instalaciones son realmente arte?

Una cosa está clara, no es el primer artista en ser criticado y llevado a debate (Van Gogh solo vendió un cuadro en su vida), y no será el último.

Mar Muerto 15. Israel. 2011

Sydney 1. Australia. 2012

Big color 7. Herefordshire. Inglaterra. 2012

Aurillac 6. Francia. 2010

Maui 6. Hawaii. 2009

Ciudad de México. Museo de Frida Khalo. 2007

Glaciar Aletsch. Suiza.2007

Institut de Cultura. Barcelona. España. 2003

San Sebastián 3. España. 2006

Avenida Komsomolsky. Moscú. Rusia. 2009

El arte de la miniatura

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La decisión del IV Concilio de Letrán (1215)  de conceder también a los laicos la posibilidad de instruirse en los principios de la fe cristiana es uno de los factores que pueden explicar el gran desarrollo del arte de la miniatura.

Esta medida ha de situarse en el contexto de una política destinada a controlar la producción de manuscritos miniados por artistas laicos que trabajaban fuera de los scriptoria monásticos.

Durante el reinado de Luis IX (1226-1270) se impuso un estilo que encontró numerosos seguidores incluso en épocas posteriores. Se caracteriza por la elegancia, el refinamiento y la exaltación de los valores de la vida cortesana. Pero la creciente tendencia a un lenguaje de imágenes religiosas más naturalista, que en Italia halló expresión en radicales innovaciones de un artista como Giotto, se refleja también en la evolución del arte de la miniatura en la corte francesa.

La obra del maestro Honoré que trabajó para Felipe IV (1285-1314), se distingue por la corpórea plasticidad del estilo figurativo.

Su sucesor, Jean Pucelle, (activo entre 1300 y 1334), sitúa las figuras dentro de un marco arquitectónico tridimensional y aprovecha los efectos de la luz aportando a la escena verosimilitud.

Los mecenas laicos  de este periodo no encargan sólo textos devotos como salterios o libros de horas, sino también poemas épicos, romances y crónicas inspiradas en el ideal caballeresco.

En las miniaturas, la creciente secularización de la vida de la corte se traduce visualmente en la proliferación de detalles marginales que tienen muy poco que ver con el contenido religioso del texto.

En estas imágenes profanas de abundante detalle y rara exquisitez aparecen pájaros, animales, flores, escenas campestres, y símbolos heráldicos típicamente cortesanos.

El grabado Japonés

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Se considera que el verdadero grabado con planchas de madera o xilografía se originó en China en la primera mitad del siglo VIII. Desde entonces, el método no sufrió cambios de importancia. En Occidente, los grabados chinos han sido frecuentemente eclipsados por los japoneses, especialmente desde que Japón, en el siglo pasado abriera sus fronteras al comercio extranjero.

A pesar de las diferencias culturales, esos grabados tuvieron enseguida un gran éxito en Occidente, no solo en el mercado europeo y americano, sino también, y sobre todo, entre los artistas, en particular los impresionistas franceses.

Claude Oscar Monet. Camille en traje japonés. 1876. Museum of Fine Arts. Boston. U.S.A.

En Japón la técnica del grabado xilográfico se había desarrollado a mediados del siglo XVII. En esa época, la difusión en Edo (Tokio) de los grabados llamados Ukiyo-e (mundo flotante) que representan escenas de la vida cotidiana refleja el afianzamiento de una rica burguesía amante de los placeres de la vida.
Estos grabados obtenidos en planchas de madera grabada en relieve, eran inicialmente en blanco y negro, a veces coloreados a mano; los primeros verdaderos grabados en color se remontan al siglo XVIII.
La aparición, hacia 1850 del oro y la plata refleja después el nuevo gusto por la opulencia. Como tema, los artistas japoneses de la época preferían las bellezas femeninas, con líneas curvas y planos de colore crearon imágenes sensuales y frecuentemente eróticas.
Por otra parte, el teatro kabuki y la gran notoriedad alcanzada por algunos de sus actores ofrecían un rico material a la inspiración artística: se prodigaron también los paisajes, realizados con sensibilidad y poesía, y que asimismo expresaban la atracción japonesa por la naturaleza.

El descendimiento de Rogier van der Weyden

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El descendimiento de la Cruz. Rogier van der Weyden. H. 1435-1440. Óleo sobre tabla. 220 x 262 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Dedico el post de hoy a un sólo cuadro.

Este retablo es una obra maestra del arte flamenco temprano. Los artistas del norte de Europa brindaron a sus obras de una intensidad expresiva y una minuciosidad en el detalle realistas, lo que confiere un carácter y apariencia distintos a los de sus homólogos italianos. Esta pintura es el panel central de un tríptico.

A través del óleo, el autor, Rogier van der Weyden, parece dotar a sus figuras de vida. Los detalles son totalmente realistas como las rojeces de los ojos o los rostros llorosos.

Dispuesto sobre un sencillo fondo de oro, El descendimiento de la cruz, desprende un aire de poder dramático.

María, esposa del discípulo Cleopas, estuvo presente en la crucifixión. Se ve al detalle su rostro lleno de lágrimas.

San Juan Evangelista,  se agacha para consolar a María, la madre de Cristo que se desvanece del dolor.

A José de Arimatea se le permitió descender el cuerpo de la cruz y darle descanso, y Nicodemo, aparece con ricos ropajes, llenos de detalle sujetando los pies de Cristo, y  desde lo alto de la escalera, son ayudados por un joven a descender el cuerpo.

La calavera representa a Adán, quién está así simbólicamente presente.Adán fue expulsado del paraíso por comer del fruto prohibido. Cristo se sacrificó en la cruz para redimir al mundo del pecado original de Adán.

Un seguidor  de Cristo sujeta un tarro de ungüento, el atributo de María Magdalena, que aparece desconsolada.

Los hilillos de la sangre que se derrama por la herida del costado contrastan con el blanco marmóreo de la piel de Cristo y sus ropas blancas.

La Virgen María aparece en la misma posición que su hijo, y con la piel parecida, debido al desmayo que ha sufrido la Virgen. La piel contrasta con el azul tan fuerte de su vestido.

Descubriendo el Rococó

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Hacia principios del siglo XVIII, las heroicas convicciones del barroco dieron paso a los entresijos del rococó (del francés rocaille, que significa rocalla, motivo de decoración de interiores). Era un estilo pictórico cortesano muy llamativo que recurrió a mecenas sofisticados y aristocráticos. Fue supremo durante breve tiempo, como reflejo de una sociedad sumamente cultivada.

Vamos a realizar un recorrido por este estilo pictórico de la mano de su máximo exponente, Jean-Antoine Watteauy de otros grandes artistas como son los también franceses Boucher y Fragonard, y el italiano Tiepolo.

Predominan los colores claros y la pincelada hábil, con el añadido de las superficies bien acabadas y relucientes en las que la representación de espléndidos tejidos, tonos de piel suave, y fondos de paisajes exuberantes, a menudo descuidados, nunca amenazadores, se saborea por si mísma.

Watteau.Los campos elíseos. Colección Wallace. Londres. Inglaterra.

Watteau.Los placeres del amor. Óleo sobre lienzo. 61 x 75 cm. Gemäldegalerie de Dresde. Dresde. Alemania.

Watteau.Encuentro al aire libre. Óleo sobre lienzo. 60 x 75 cm. Gemäldegalerie de Dresde. Dresde. Alemania.

Las ropas flotan, los miembros se entrelazan, las sonrisas tientan y los párpados se agitan. El encanto lo es todo.

 

François Boucher.Alegoría de la pintura. 1765. Óleo sobre lienzo. 1.015 x 1.300 m. The National Gallery of Art. Washington. USA.

François Boucher.Madame Pompadour. 1758. Óleo sobre lienzo. 72,5 x 57 cm. Victoria and Albert Museum. Londres. Inglaterra.

François Boucher.Escena pastoral. Óleo sobre lienzo. 61 x 75 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia.

La sofisticada sociedad del siglo XVIII prefería la intimidad, un cambio en los gustos reflejado en el arte del rococó, sobre todo en Francia. En vez de las grandes escalas del barroco, en temas religiosos o clásicos, la pintura rococó, se concentró en los flirteos de la aristocracia, a escala reducida y muy trabajados.

François Boucher.El triunfo de Venus. Museo Nacional de Esctocolmo. Estocolmo. Suecia.

Jean Honore Fragonard.El Columpio.The National Gallery of Art. Washington. USA.

Jean Honore Fragonard.El cerrojo. 1778. Óleo sobre lienzo. 73 x 93 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

Los temas de la Antigüedad pasaron a basarse en pastorcillas con escasa ropa raptadas por musculosos y jóvenes gigantes.

El rococó raramente se prestaba a temas religiosos, pero Tiépolo unió los dos con éxito.

Tiepolo. La última cena. 1745-1750. Lienzo. 81 x 90 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

Tiepolo. El Olimpo. Lienzo. 86 x 62 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Entre los ángeles

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El modo de representar diferentes personajes o temáticas va cambiando con el tiempo. En las primeras representaciones las imágenes son muy similares las unas de las otras, bien por tener una serie de tratados para la representación, o bien porque en muchas ocasiones era lo que las personas estaban acostumbradas a ver, un gusto propio.

Hoy vamos a ver como se representan los ángeles en arte.

En las catacumbas de Roma, podemos encontrar representaciones de ángeles pero de una forma muy curiosa, y es que estas figuras, no son aladas. Visten una túnica blanca y una prenda de abrigo como una capa, y no suelen ir descalzos, si no que llevan sandalias.

Algunos autores posteriores han utilizado algunas de estas iconografías para representarlos:

Ángeles músicos. Jan Van Eyck. 1432. Óleo sobre tabla. 161,1 x 69.3 cm. Catedral de San Bravo. Gante. Bélgica.

Es a partir del siglo V cuando podemos encontrar imágenes de ángeles alados.  La Biblia menciona las alas únicamente en relación con los dos coros superiores. Las alas aluden a la capacidad de los ángeles de poder alcanzar el cielo, pero también a su singularidad con respeto a los seres humanos, puesto que los ángeles no están sujetos a la ley de la gravedad ni tampoco a la velocidad limitada de los humanos.

Catedral de Anagni. “Cristo en la Jerusalén celestial”

Lambach. “El sueño de José y la huida a Egipto”

La edad de oro de las representaciones angelicales comenzó en el siglo VIII. Los artistas se inspiraron sobre todo en modelos griegos, como Niké, diosa de la Victoria, a quien salvo en una única excepción conocida siempre se la representa alada; Eras, dios griego del Amor, presentado a menudo con un arco y una flecha, sirvió también de inspiración para la iconografía de los ángeles; y lo mismo puede decirse de Hermes, hijo de Zeus y mensajero de los dioses de la mitología griega.

Genio femenino alado y portador de flores. Anónimo romano.

Natividad del Señor. Siglo XIII. Anónimo Bizantino.

Podemos encontrar ángeles con más de las dos alas que salen a sus espaldas,los llamados serafines como por ejemplo en esta pintura del siglo XII:

El juicio final.

Representación de un Serafín
por Víktor Vasnetsov.

En las Iglesias orientales fue frecuente durante mucho tiempo distinguir a los ángeles de los hombres sólo por su tamaño especial y por el nimbo (aureola). Asimismo, una vestimenta majestuosa resaltaba la gloria de los ángeles, que solían ser adolescentes.

San Isidoro de León. Panteón de los Reyes. “La glorificación de Cristo”

En ocasiones en estas representaciones, los ángeles son niños, y por lo general estas representaciones son para los querubines:

Giotto. El llanto sobre el Cristo muerto

Rafael Sanzio. La madonna sixtina. 1513. Óleo sobre lienzo. 265 x 196 cm. Gemäldegalerie de Dresde. Dresde. Alemania.

En otras ocasiones se representan mediante el uso solo de la cabeza alada:

Adoración del Espíritu Santo por los ángeles. Jacinto Gómez. Lienzo. 46 x 46 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Querubín tocando el laúd. Giovanni Battista di Jacopo. 1522. Óleo sobre tabla. 39 x 47 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.

En las Iglesias orientales fue frecuente durante mucho tiempo distinguir a los ángeles de los hombres sólo por su tamaño especial y por el nimbo (aureola). Asimismo, una vestimenta majestuosa resaltaba la gloria de los ángeles, que solían ser adolescentes.

La Virgen y el niño con ángeles. Discípulo de Fra Angélico. 1450. Tabla. 30 x 22,5 cm. 

 Abraham y los tres ángeles. Marc Chagall. 1958-1960. Óleo sobre lienzo. Musée National Message Biblique Marc Chagall. Niza. Francia.

Con el paso del tiempo se va cambiando la iconografía (forma de representar) cada tipo de ángel, variando por ejemplo en el color de sus alas o  los atributos que llevan, dependiendo todo ello de la jerarquía angelical a la que pertenecen.