Archivos Mensuales: enero 2013

Carteles de artistas

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Los artistas y sus obras están presentes hoy en día en el diseño también.

Os dejo con unos carteles chulísimos, muy minimalistas, que recuerdan al artista y su obra.

¿Sois capaces de decir quién es cada uno?

Andy Warhol

 

Andy Warhol (1928-1987)

Jackson Pollock

Jackson Pollock (1912-1956)
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881-1973)
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Jasper Johns (1930)
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Damien Hirst (1965)
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Marcel Duchamp (1887-1968)
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Rembrandt (1606-1669)
René Magritte
René Magritte (1898-1967)
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Piet Mondrian (1872-1944)
 
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Vermeer (1632-1675)
 
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Jacques-Louis David  (1748-1825)
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Mark Rothko (1903-1970)
 
Roy Lichtenstein
 
 
Roy Lichtenstein (1923-1997)
 
Vicent Van Gogh
 

Vicent van Gogh (1853-1890)
La verdad es que estos carteles me han parecido la mar de chulos, y creo que pueden decorar cualquier habitación.
Los carteles son de unos diseñadores gráficos que llevan mucho tiempo metidos en el mundillo: Eurydyka Kata & Rafał Szczawiński.
Y a vosotros, ¿Os han gustado?

Una aproximación a la Historia del Arte

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Hoy os voy a dejar unas imágenes para que veáis la evolución de la Historia del Arte. Algunas las descubrí hace ya tiempo, y otras son algo más novedosas.

¡Espero que os guste esta aproximación al arte!

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– En esta que vamos a ver a continuación está menos completa que la anterior:

Historia del arte2

– Este que os enseño a continuación ya es mucho más escueto, pero muy gracioso también:

Historia del arte3

-Y este último es una versión del anterior, que no he podido resistirme a ponerlo:

Historia del Arte4

Ideas cubistas y futuristas de Wyndham Lewis

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Hoy vamos a hablar de otro Lewis, un Lewis muy diferente al de la entrada anterior.

Percy Wyndham Lewis era la formidable energía detrás del movimiento británico vorticista. Tras la ruptura de sus padres, en 1893, vivió en Londres con su madre.

Estudió tres años, desde 1989 en la Slade School of Art y después pasó seis años viajando por Europa.

En 1911 se unió al grupo Camden Town Group,  y, en 1913, a los talleres Omega. En 1914, la revista vanguardista Blast, de la que Lewis era editor, publicó su manifiesto vorticista.

No fue solo pintor, si no también escritor y periodista, un joven airado que junto a sus colegas vorticistas llevó el arte moderno a Gran Bretaña.

Más tarde se convirtió en  un inadaptado reaccionario de derechas y en admirador del fascismo.

Su obra es siempre angular y torpe, como el propio artista. Sus primeras obras, enérgicas y originales, fueron de las primeras abstractas en Europa. También fue autor de dibujos y cuadros de gran fuerza sobre los campos de batalla de la primera Guerra Mundial (fue artista oficial de la guerra).

Destaca su habilidad para el dibujo y su personal y original uso de los estilos e ideas cubistas y futuristas. Su uso del espacio y las figuras es ingenioso y creativo, y su exploración del concepto hombre y máquina es interesante.

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Bagdad. 1927. Oil on plywood. 183 x 79 cm. Tate Gallery, London.

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Figuras danzantes. 1914. Pencil, ink, pastel, gouache and oil on paper. 21 x 50,2 cm. Private Collection.

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Composición en malva y rojo. 1915. Pluma, tinta, clarión y gouache sobre papel. 35,5 x 25 cm. Museo Thyssen-Bornemisza.

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La rendición de Barcelona. 1936-1937. Tate Gallery. Londres

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Los vorticistas en el restaurante de la torre Eiffel. 1915

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Mr. Wyndham Lewis como un tyro.
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Edith Sitwell. 1923 – 1935.

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Froanna. 1940

La belleza de lo oriental o John Frederick Lewis

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Fue el miembro más famoso de una prolífica dinastía de artistas, famoso por sus impresionantes escenas de mercados, bazares y harenes egipcios.

John Frederick Lewis nacido en Londres en 1805 era hijo del grabador y pintor de paisajes Federico Christian Lewis .

Los comienzos de Lewis fueron como pintor de animales, afición ésta que compartía con su amigo Edwin Landseer, el más famoso de los pintores de animales.

Dominaba tanto el óleo como la acuarela, y fue miembro de la asociación de acuarelistas ingleses.

Realizó muchos viajes a Escocia y España.  En España se dedicó Lewis a copiar los cuadros del Museo del Prado, con la técnica de la acuarela. Después vivió en Toledo y luego en Granada, donde pasaba gran parte de su tiempo en la Alhambra, dibujando su arquitectura. La última ciudad de su periplo español fue Sevilla, donde quedó impresionado por la Semana Santa y sus procesiones.

Más tarde, viajó a Marruecos donde desarrollaría la pintura orientalista, que tanta fama le otorgó.

Tras Marruecos, Lewis viajó a París, Florencia y Nápoles, y poco más tarde a Roma, ciudad en la que viviría dos años.

El último viaje de John Frederick Lewis fue a Egipto, donde realizó sus últimos cuadros. Regresó a Inglaterra en 1851. Vivió en Walton-on-Thames hasta su muerte, en 1876.

 Tras ser largamente olvidada, su obra desde la década de 1970 empezó a ponerse de moda y hoy alcanzan buenas cotizaciones.

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En el jardín de Beys, Asia menor. 1865. Óleo sobre lienzo. 106.6 x 68.6 cm. The Harris Museum and Art Gallery. Preston. Inglaterra.

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El vendedor de alfombras. Khan el Khalil, el Cairo. 1860. Óleo sobre tabla. 58.5 x 45.7 cm. Colección privada.

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La recepción. 1873. Óleo sobre lienzo. 63.5 x 76.25 cm. Yale Center for British Arts. New Haven. Connecticut. USA.

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Una escuela de turco cerca de El Cairo. 1865. Óleo sobre tabla. 66 x 118 cm. Colección privada.

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Conversación privada. 1873. Oil on woods. 30,5 x 20,5 cm. The Whitworth Art Gallery, Manchester.

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La camarera de café. 1857. Óleo sobre tabla. 30,4 x 19 cm. Manchester.

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Saludos en el desierto. Acuarela. 37 x 49 cm.. Colección particular.

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El harem. 1850. Aquarelle sur crayon. 47 x 67.3 cm. Victoria and Albert Museum. Londres. Inglaterra.

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Tumba del Sultán Beyazit, Constantinopla.Acuarela sobre el lápiz. 20.1 x 47 cm. Victoria and Albert Museum. Londres. Inglaterra.P

Las superposiciones de David Salle

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David Salle crea cuadros figurativos a gran escala, una mezcolanza de imágenes familiares no muy difíciles tomadas de la historia del arte, la publicidad, el diseño, el porno, ect.

Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supondrá una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y performances, hacia 1979 se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda; se nutre por igual del arte clásico (artistas barrocos como Velázquez y Bernini, románticos como Géricault, impresionistas como Cézanne, expresionistas como Solana, surrealistas como Magritte y Giacometti), como del contemporáneo, en especial del pop-art, recibiendo sobre todo la influencia de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como la de europeos como Sigmar Polke. Asimismo, muchos aspectos compositivos de Salle recuerdan a la obra de Francis Picabia que desarrolló en los años 40.

La característica principal del estilo de Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. Suele recurrir en sus imágenes a la inserción de texto o signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Sus imágenes tienen un cierto aire ingenuo, torpe, están expresamente mal pintadas, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico.

Salle utiliza cuadros de gran tamaño, recurriendo a menudo al formato en dípticos y trípticos. A menudo crea una disposición teatral en la situación de los motivos, la ambientación y la iluminación de las escenas. Suele emplear técnicas mixtas con objetos tridimensionales, como mesas, telas estampadas y botellas. Su producción incluye asimismo escultura, cine (la película Search and Destroy) y decorados para los ballets de inspiración punk coreografiados por Karole Armitrage.

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Ángeles bajo la lluvia. 1998. Óleo y acrílico sobre lienzo. 243,8 x 335,3 cm. The Saatchi Gallery. Londres. Gran Bretaña.

salle2Ashton. 1992. Acrílico y óleo sobre lienzo con objetos.  243,8 x 182,9 cm. Colección de Coco Brown. Nueva York. EEUU.

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Bebe. 1996. Óleo, acrílico, madera, lino fotosensibilizado. 243,8 x 365,8 cm. Colección particular. Madrid. España.

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De pesca. 1998. Óleo y acrílico sobre lienzo y lino. 162,6 x 243,8 cm. Colección del artista.

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King kong. 1983. Acrílico y óleo sobre lienzo con luz eléctrica y mesa de madera. 312,4 x 243,8 x 66 cm. Cortesía de The Brant Foundation. Greenwic

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Acuerdo. 1984. Acrílico, óleo y lápiz sobre lienzo con cera de vela. 167,6 x 228,6 cm. Colección particular.

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Roland el demoniaco. 1987. Acrílico y óleo sobre lienzo. 238,8 x 345,4 cm. The Eli and Edithe L. Broad Collection. Los Ángeles. EEUU

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Interior pálido. 1999. Óleo y acrílico sobre lienzo y lino. 182,9 x 284,58 cm. Colección de Neda Young. Neva York. EEUU.

La mitología de Edward Burne-Jones

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La primera intención de Edward Burne-Jones  era entrar en la Iglesia, pero cambió de opinión mientras estudiaba en la universidad de Oxford.

Cada una de sus obras reflejan su carácter y el aspecto de la época en la que vivió. Sus temas tempranos, medievales o mitológicos, están cargados de un misticismo y un simbolismo reminiscentes de una edad “dorada”, llenos de un deseo de escapar a una realidad urbana e industrial; sin embargo, las obras a gran escala, el estilo preciso y la fascinación por los materiales y los detalles realistas son muy mundanos, y muestran una dualidad personal (y típicamente victoriana).

También ejerció influencia sobre él el arte del primer Renacimiento, en especial la obra de Botticelli.

Produjo diseños para tapices y vidrieras con mucho éxito, así como ilustraciones para textos de leyendas clásicas y medievales.

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Retrato de María Zambaco. 1869-1870. Gouache. Colección privada.

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Amor entre las ruinas. 1894. Óleo. National Trust: Wightwick Manor. Wolverhampton.

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Lamento. 1866. William Morris Gallery. Walthamstow.

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La armadura de Perseo. 1885. Óleo. Colección Privada.

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La cabeza maléfica. 1885-1887. Aguada sobre lienzo. 155 x 130 cm. Southampton City Art Gallery. Southampton. Inglaterra.

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La rueda de la fortuna. 1883. Óleo sobre lienzo. 200 x 100 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

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Lancelot en la capilla del Santo Grial. 1896. Óleo sobre lienzo. 138.5 x 169.8 cm. Southampton City Art Gallery.

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El seductor de Merlin. 1874. Óleo. Lady Lever Art Gallery.

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La princesa Sabra enviada al dragón. 1866. Óleo. Colección Privada

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El cuento de la priora. Gouache sobre papel. Delaware Art Museum. Wilmington. USA.

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La roca de la perdición. 1885-1888. Óleo. Staatsgalerie. Stuttgart. Alemania.

Entre cuentos y pesadillas de la mano de Fuseli

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Hoy hablaremos de Henry Fuseli,  también conocido como Johann Heinrich Füssli.

Excéntrico, nacido en Suiza e inspirado por Miguel Ángel, Shakespeare y Milton. Sus interpretaciones de la literatura son muy dramáticas, y en ellas las expresiones faciales y el intenso lenguaje corporal excesivamente desarrollado lo son todo.

La iniciación de Fuseli fue temprana: de pequeño copió grabados suizos de los siglos XVI-XVII, escogiendo temas violentos, con fuertes claroscuros, haciendo figuras estilizadas, monumentales: Caída de los Titanes (1752). En su adolescencia cambia de temática, pasando a lo macabro y erótico, a lo satírico y burlesco; surge una dualidad en su obra: por una parte los temas eróticos y violentos, por otra una virtud y sencillez influida por Rousseau.

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Lady Macbeth. 1784. Óleo sobre lienzo. 221 x 160 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

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El artista frente a la grandeza de la Roma antigua. 1778-1780. Pastel rojo sobre papel sepia. 41,5 x 35,5 cm. Zurigo. Kunsthaus. Suiza.

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La locura de Kate. 1806-1807. Óleo sobre lienzo. 92 ? 72,3 cm. Freies Deutsches Hochstift, Goethemuseum. Alemania.

 En 1779  ingresa en la Royal Academy, primero como miembro ordinario, luego como profesor de pintura y, por último, como conservador vitalicio. En esta época pinta sus cuadros más importantes: ilustra temas de Shakespeare, Milton, Cowper, Homero, el Oberon de Wieland, el Cantar de los Nibelungos, además recibe la comisión de Alderman Boydell, para que ejecutase pinturas basadas en la obra dramática de Shakespeare, las cuales fueron utilizadas como base para ilustrar una gran edición impresa de este dramaturgo inglés, y se exhibieron por varios años en la Galería Boydell Shakespeare. Fuseli remarca lo erótico e insiste cada vez más en lo demoníaco y satánico; no utiliza mucho el color, que suele ser gris-marrón, en tonos fríos y de tiza. Empieza a componer temas inventados, de carácter fantasmagórico: Miedo (1780-82), que apunta al expresionismo; La pesadilla, de la que hay varias versiones (1781, 1782, 1790-91), probablemente su obra más conocida, es donde presenta su torturado fondo psicológico de una manera más intimista; Soledad en el amanecer (1794-96), reproduce una de las figuras de los Antepasados de Miguel Ángel (Naason); Silencio (1800), también reproduce otra figura de Miguel Ángel (Aminadab).

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La pesadilla

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Titania y Bottom

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Soledad en el ocaso

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Silencio

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Desnudo echado mientras una mujer toca el piano

En sus últimos años dibuja menos temas históricos y más de inspiración propia, con un tratamiento más realista, aportando una representación más humana de los sentimientos.

Creó maravillosos dibujos y tenía una predilección especial por la crueldad femenina y los hombres atrapados.

En sus pinturas se puede contemplar su obsesión por el cabello de las mujeres.