Archivo de la categoría: Arte contemporáneo. Desde 1970

Pacto con el diablo

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Las brujas o hechiceras han sido retratadas por numerosos pintores a lo largo de la historia. Hemos recogido algunas de esas obras que marcaron un punto importante en la Historia del Arte.

 

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Circe ofreciendo la taza a Ulises. 1891. John William Waterhouse. Óleo sobre lienzo.

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El Aquelarre. 1798. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. Museo Lázaro Galdiano. Madrid.

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Cuatro Brujas. 1497. Alberto Durero. Grabado en cobre.

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Dos brujas,  1523. Hans Baldung Grien. Óleo sobre lienzo. Alemania.

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Tres brujas y tres lobos,  1900. Eugène Grasset. Acuarela.

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Circe. 1986.  Claudio Bravo. Óleo sobre lienzo.

Instagram, medio de arte para Murad Osmann

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Hoy os presentamos a un fotógrafo que nos ha encantado. Se llama Murad Osmann, es ruso y se caracteriza por seguir a su novia en cualquier parte del mundo difundiendo sus fotos mediante su cuenta de Instagram.

Juntos viajan por lugares maravillosos del mundo, cogido de la mano de su chica, una modelo llamada Natalia Zakharova. Durante todas las fotografías se mantiene un mismo patrón, que presenta en cada una de las fotos pequeñas variaciones.

Mi pregunta es ¿Estamos ante una nueva forma de arte? ¿Qué os parece?

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Carteles de artistas

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Los artistas y sus obras están presentes hoy en día en el diseño también.

Os dejo con unos carteles chulísimos, muy minimalistas, que recuerdan al artista y su obra.

¿Sois capaces de decir quién es cada uno?

Andy Warhol

 

Andy Warhol (1928-1987)

Jackson Pollock

Jackson Pollock (1912-1956)
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881-1973)
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Jasper Johns (1930)
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Damien Hirst (1965)
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Marcel Duchamp (1887-1968)
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Rembrandt (1606-1669)
René Magritte
René Magritte (1898-1967)
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Piet Mondrian (1872-1944)
 
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Vermeer (1632-1675)
 
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Jacques-Louis David  (1748-1825)
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Mark Rothko (1903-1970)
 
Roy Lichtenstein
 
 
Roy Lichtenstein (1923-1997)
 
Vicent Van Gogh
 

Vicent van Gogh (1853-1890)
La verdad es que estos carteles me han parecido la mar de chulos, y creo que pueden decorar cualquier habitación.
Los carteles son de unos diseñadores gráficos que llevan mucho tiempo metidos en el mundillo: Eurydyka Kata & Rafał Szczawiński.
Y a vosotros, ¿Os han gustado?

Las superposiciones de David Salle

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David Salle crea cuadros figurativos a gran escala, una mezcolanza de imágenes familiares no muy difíciles tomadas de la historia del arte, la publicidad, el diseño, el porno, ect.

Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supondrá una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y performances, hacia 1979 se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda; se nutre por igual del arte clásico (artistas barrocos como Velázquez y Bernini, románticos como Géricault, impresionistas como Cézanne, expresionistas como Solana, surrealistas como Magritte y Giacometti), como del contemporáneo, en especial del pop-art, recibiendo sobre todo la influencia de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como la de europeos como Sigmar Polke. Asimismo, muchos aspectos compositivos de Salle recuerdan a la obra de Francis Picabia que desarrolló en los años 40.

La característica principal del estilo de Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. Suele recurrir en sus imágenes a la inserción de texto o signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Sus imágenes tienen un cierto aire ingenuo, torpe, están expresamente mal pintadas, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico.

Salle utiliza cuadros de gran tamaño, recurriendo a menudo al formato en dípticos y trípticos. A menudo crea una disposición teatral en la situación de los motivos, la ambientación y la iluminación de las escenas. Suele emplear técnicas mixtas con objetos tridimensionales, como mesas, telas estampadas y botellas. Su producción incluye asimismo escultura, cine (la película Search and Destroy) y decorados para los ballets de inspiración punk coreografiados por Karole Armitrage.

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Ángeles bajo la lluvia. 1998. Óleo y acrílico sobre lienzo. 243,8 x 335,3 cm. The Saatchi Gallery. Londres. Gran Bretaña.

salle2Ashton. 1992. Acrílico y óleo sobre lienzo con objetos.  243,8 x 182,9 cm. Colección de Coco Brown. Nueva York. EEUU.

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Bebe. 1996. Óleo, acrílico, madera, lino fotosensibilizado. 243,8 x 365,8 cm. Colección particular. Madrid. España.

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De pesca. 1998. Óleo y acrílico sobre lienzo y lino. 162,6 x 243,8 cm. Colección del artista.

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King kong. 1983. Acrílico y óleo sobre lienzo con luz eléctrica y mesa de madera. 312,4 x 243,8 x 66 cm. Cortesía de The Brant Foundation. Greenwic

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Acuerdo. 1984. Acrílico, óleo y lápiz sobre lienzo con cera de vela. 167,6 x 228,6 cm. Colección particular.

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Roland el demoniaco. 1987. Acrílico y óleo sobre lienzo. 238,8 x 345,4 cm. The Eli and Edithe L. Broad Collection. Los Ángeles. EEUU

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Interior pálido. 1999. Óleo y acrílico sobre lienzo y lino. 182,9 x 284,58 cm. Colección de Neda Young. Neva York. EEUU.

El saber transmitir de Christian Ghammachi

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Hace unos días llegó a mi un fotógrafo que me parece maravilloso. Su nombre Christian Ghammachi, un libanés nacido en 1973.

Estudió derecho, y fue en esa etapa de su vida cuando descubrió su pasión por la fotografía. Desde entonces llena el papel satinado con increíbles matices que son la esencia de sus fotografías.

Con sus retratos nos contagia la alegría y la tristeza, la tranquilidad y la viveza que reina el mundo.

La verdad que poco se de él, ya que estoy intentando encontrar información, pero es muy poca la que consigo. Lo que si se, es la belleza que consigue transmitir con sus fotografías, sea lo que sea que retrate.

Ya dejo de escribir para que podáis contemplar con vuestros propios ojos de lo que os hablo.

 

Samburu. Kenia, 2010

Amboseli. Kenia. 2012

Parque Nacional de Amboseli. Kenia.

Kenia. 2010.

Y como no, siguiendo las tendencias, podéis encontrar a este artista en cualquier red social, como Facebook, Twitter, o Pinterest.

Espero que os haya gustado.

La ilusión de la realidad de Rober Doisneau

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Picasso

 

 

El beso, 1950.

“La fotografía es la mirada. O se tiene o no se tiene”, aseguraba el también fotógrafo Willy Ronis. Doisneau la tenía sin duda alguna. El ojo de Doisneau logró algunas de las más bellas páginas de la historia de la fotografía. Entre ellas, su inevitable Beso, de 1950, una narración visual con una fuerte carga simbólica: el beso de dos amantes representaba la esperanza de futuro de unos jóvenes en una Europa traumatizada tras la II Guerra Mundial.

Quiero hacer un paréntesis entre lienzos y óleos para pasar al papel satinado. Las fotografías que capturó Robert Doisneau me parecen el más bello y vivo reflejo de la sociedad, y siempre que las veo me hacen sonreir. Nos muestra desde un retrato de Picasso, hasta miles de niños disfrutando con juegos en la calle, así pasando por besos entre parejas y alguna que otra imagen más provocadora.

Estoy segura que este artista os suena, y habréis visto alguna de sus fotografías en alguna ocasión, pero aún así me parecía un buen post para mostraros. ¿Y que es si no la fotografía?, Un arte que es capaz de aflorar nuestros sentimientos.

 Les Freres, 1934

 L’ Enfer, 1952.

El coche derretido. París, 1944.

Coches, 1946.

La pequeña Mónica, 1934

Heridas de guerra o historia de una buena restauración

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¿Quién no ha visto nunca la obra de Goya titulada “El dos de Mayo de 1808 en Madrid”, también conocido como “La carga de los mamelucos”?

 “El 2 de Mayo de 1808 en Madrid”. 1814. Óleo sobre lienzo. 268 x 347 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Pues bien, si habéis visitado el museo del Prado hace tres años o más tiempo, o incluso si cogéis un libro anterior al año 2008 sobre arte y que aparezca este cuadro, os sorprenderá ver una cosa muy especial, y es que este cuadro tiene heridas.

Durante la Guerra Civil Española, salieron en medio de un torbellino de fuego y violencia desde noviembre de 1936 a septiembre de 1939  los bienes más selectos del patrimonio artístico español. Se realizó por tanto  el traslado de las obras de arte del Museo del Prado para evitar su destrucción durante la contienda. En total se embalaron 1.868 cajas que fueron llevadas a Ginebra. En esta ciudad suiza se creó un Comité Internacional para el Salvamento del Tesoro Español, y se custodiaron hasta su regreso al museo el 9 de septiembre de 1939.

Entre estas obras se encuentran “El dos de Mayo de 1808 en Madrid” y “El tres de Mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pío”

El traslado de las obras puede verse recreado en un maravilloso documental titulado: “Las cajas españolas” de Alberto Porlán.

Con el fin de evitar que sufriesen en marzo de 1938, viajaron hacia Gerona y fue en ese trayecto cuando el camión que los transportaba chocó al atravesar el pueblo de Benicarló. Las dos obras, que iban emparejadas, sufrieron un fuerte golpe que rompió las telas en varios cortes horizontales. Aunque las dos resultaron dañadas, el Dos de mayo sufrió en mayor medida el accidente y dos fragmentos pequeños de lienzo, con pintura original, posiblemente en muy mal estado, se perdieron en la carretera. Estos dos recortes se localizan en el lado izquierdo del cuadro, a una altura media y alta.

Los cuadros fueron reentelados  en Gerona, por Tomás Pérez y Manuel Arpe y Retamino (forrador y restaurador del Museo del Prado, respectivamente). El proceso de reentelado o forrado, consiste básicamente en adherir por la parte posterior de un lienzo antiguo dañado, una tela nueva, con el fin de proporcionarle mayor consistencia.

En septiembre de 1939, una vez finalizada la contienda española y de vuelta en el Museo del Prado, Manuel Arpe y Retamino finalizó la restauración de ambos cuadros, realizando el retoque o reintegración; es decir, disimulando los daños y cortes producidos en el accidente y aplicando color nuevo en las pérdidas de pintura original. En los cortes sufridos por la tela, Arpe reintegró la pintura original, pero en los fragmentos perdidos de mayor tamaño, decidió utilizar una técnica denominada “tinta neutra”, frecuente en la restauración de pintura mural. Se utiliza cuando el restaurador se encuentra con grandes pérdidas y desconoce como era el original, consistiendo en aplicar un color uniforme en la zona perdida, que no moleste en exceso y que entone con el colorido general de la obra.

Quizás el aspecto más importante para dilucidar la cuestión de la restauración y nueva reintegración de las zonas perdidas, haya sido el contar ahora con una buena documentación gráfica anterior a los daños.

La existencia de fotografías en blanco y negro, anteriores a la Guerra Civil, y las modificaciones de color y composición realizadas en la intervención de 1938, fueron determinantes para decidir una ajustada recuperación del original en las zonas perdidas, mediante el calco sobre ellas de las fotografías antiguas, tratadas con ordenador, que ha posibilitado la tarea que no pudo hacerse en 1941.

La técnica de reconstrucción se ha hecho ahora mediante la aplicación de pequeñas rayas de color, que permiten al espectador apreciar a corta distancia las zonas intervenidas, pero que desde más lejos se funden en nuestra vista, camuflando las lagunas del original y permitiendo así entender la lectura del conjunto.

La obra una vez finalizada la restauración