Instagram, medio de arte para Murad Osmann

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Hoy os presentamos a un fotógrafo que nos ha encantado. Se llama Murad Osmann, es ruso y se caracteriza por seguir a su novia en cualquier parte del mundo difundiendo sus fotos mediante su cuenta de Instagram.

Juntos viajan por lugares maravillosos del mundo, cogido de la mano de su chica, una modelo llamada Natalia Zakharova. Durante todas las fotografías se mantiene un mismo patrón, que presenta en cada una de las fotos pequeñas variaciones.

Mi pregunta es ¿Estamos ante una nueva forma de arte? ¿Qué os parece?

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Jack the Dripper

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Pintar es un estado de la existencia, es descubrirse a uno mismo. Todo buen pintor pinta lo que es. Cuando estoy pintando, no me doy cuenta de lo que hago” Jacson Pollock.

Este pionero, pintor abstracto de la escuela de Nueva York, apodado Jack el Goteador (Jack the dripper), due un alcohólico torturado que se balanceaba entre la sensibilidad y el machismo, la euforia y la desesperación.

Sus mejores obras son a gran escala, como 4 x 7m, ya que entonces era cuando la apasionada, heroica y monumental naturaleza de su realización se hacía aparente.

Pollock solía poner el lienzo en el suelo y colocarse encima de él de pie, con una gran lata de pintura, porque quería estar “dentro” del cuadro y ser parte física del mismo.

Observa el ritmo y la fluidez de las hebras de pintura (puede que sean instintivas, pero no arbitrarias ni descuidadas).

Intenta averiguar cuántas capas de pintura puedes ver. Es casi posible reconstruir sus movimientos y estar “dentro” del cuadro.

Pollock

The Flame. 1934-8. Oli on canvas, mounted on fibreboard. 51,1 x 76,2 cm. The Museum of Modern Art. New York. USA.

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Eyes in the Heat. 1946. Óleo sobre lienzo. Peggy Guggenheim, Venecia.

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Blue (Moby Dick). 1943. Guache y tinta sobre cartón. 47 x 58 cm.  Ohara Museum of Art. Kurashiki

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Lo profundo.  1953. Óleo sobre lienzo. 220,4 x 150,2 cm. Centre Georges Pompidou. París.

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Ritmo de otoño nº 30. Óleo sobre lienzo. 266,7 x 525,8 cm. MoMA. Nueva York.

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Convergence. 1952. Oil on canvas. 237,7 x 393,7 cm.

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Mural. 1943. Óleo sobre lienzo. University of Iowa Museum of Art. Iowa City. USA.

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Reflection of the big dipper. 1947. Oil on canvas. 111 x 92 cm. Stedelijk Museum. Amsterdam. Holanda.

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Luz Blanca. 1954. Oil, enamel and aluminium paint on canvas. 122 x 96,9 cm. The Museum of Modern art. New York. USA.

Conociendo un poco más a Mondrian

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Uno de los pioneros del puro arte abstracto fue Piet Mondrian.

Personaje austerio y solitario que odiaba el verde desorden de la naturaleza. Influyó en las teorías y en el mundo intelectual de su época y no tuvo ningún éxito comercial.

Sus obras más conocidas son las abstractas entre 1920 y 1940. Sus elementos son simples: solo blanco, negro y colores primarios, líneas horizontales y verticales.

Su objetivo era encontrar y expresar una perfección espiritual universal, pero su imaginería se ha convertido algo corriente en el diseño publicitario del siglo XX.

Destacan también sus últimas obras, coloristas y con ritmo de jazz, finalizadas en Nueva York.

Su lento y trabajoso progreso a través del simbolismo y el cubismo hacia la abstracción requiere un paciente estudio.

Para comprender la obra de Mondrian debe verse de cerca. Las copias hacen parecer sus abstracciones insípidas, mecánicas y fáciles, con superficies inmaculadas y anónimas. En realidad, se pueden ver (y hay que ver) las marcas del pincel, las modificaciones, las dudas y la lucha por lograar ese equilibrio armonioso y esa pureza que deseaba tan desesperadamente, pero que le costaba tanto alcanzar.

Destacan también la escala reducida deliberada y la intimidad de la mayoría de sus obras.

El arte abstracto se opone a la representación natural de las cosas. No se opone a la naturaleza, sino a la cruda, primitiva y animal naturaleza del hombre, pero está de acuerdo con la naturaleza humana”. Piet Mondrian.

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Árbol Rojo

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Composición VII. 1913. Óleo sobre lienzo. 104,4 x 113,6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.

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Composición Oval. 1914. Olio su tela. 113 x 84,5 cm. Gemeentemuseum. L’Aia. Holland.

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Broadway Boogie  Woogie. 1942-1943. Óleo sobre lienzo. 127 x 127 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.

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Composición Londres. 1940-42. Oil on canvas. 82,5 x 71,1 cm. Roomm of Contemporary Art Fund.

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Composición con rojo, amarillo y azul. 1921. Óleo sobre lienzo. 39,5 x 35 cm. Palazzo Grassi de Venecia. Venecia. Italia.

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Composición en escalera con colores oscuros. 1919. Olio su tela. 84 x 102 cm. Collezione Slijper. Blaricum.

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New York City I. 1942. Óleo sobre lienzo. 119,3 x 114,2 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.

Los colores de Patrick Caulfield

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Hoy vamos a conocer un poco la vida y la obra de Patrick Caulfield.

Fue un pintor y grabador nacido en 1936.

Patrick Caulfield estudió en la Escuela de Arte de Chelsea a finales de los cincuenta, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, donde entre sus compañeros se encontraba entre otros el artista David Hockney.

En 1964 expuso en la muestra de la New Generation en la Galería Whitechapel de Londres, que dio como resultado el que se le relacionase con el pop art.

Desde mediados de los setenta comenzó a incorporar elementos más detallados y realistas a su obra, algunos objetos tienen intensos perfiles negros y color plano, y otras zonas están ejecutadas con pinceladas más sueltas.

Los cuadros de Caulfield son figurativos, retratando a menudo objetos sencillos en su interior. Típicamente, usa áreas planas de color simples, rodeadas de perfiles negros. Algunas de sus obras están dominadas por un solo tono.

Durante su carrera artística fue galardonado en numerosas ocasiones.

Murió en 2005, y está enterrado en el Cementerio de Highgate Cemetery. Entre los que han seguido su estilo se encuentran Michael Craig-Martin y últimamente Julian Opie.

Así que si descubrís una obra en la que dominan los colores lisos y brillantes, los objetos comunes, y contorneados con una gran línea negra, probablemente sea de éste artista.

Black and White Flower Piece 1963 by Patrick Caulfield 1936-2005

Flor Blanco y negro. 1963.  Óleo sobre tabla. 1.219 x 1.219 mm. Tate Gallery. Londres.

Greece Expiring on the Ruins of Missolonghi (after Delacroix) 1963 by Patrick Caulfield 1936-2005

Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi (después de Delacroix). 1963. Óleo sobre tabla. 1524 x1519 mm. Tate Gallery, Londres.

Still Life with Dagger 1963 by Patrick Caulfield 1936-2005

Naturaleza muerta con daga. 1963.  1215 x 1216 mm. Tate Gallery. Londres.

Ruins 1964 by Patrick Caulfield 1936-2005

Ruinas. 1964. Serigrafía sobre papel. 508 x 762 mm. Tate Gallery. Londres

Coloured Still Life 1967 by Patrick Caulfield 1936-2005

Bodegón de color. 1967. Serigrafía sobre papel. 559 x 914 mm. Tate Gallery, Londres.

The Letter 1967 by Patrick Caulfield 1936-2005

La carta. 1967. Serigrafía sobre papel. 480 x 760 mm Marco: 495 x 775 mm. Tate Gallery, Londres

Pottery 1969 by Patrick Caulfield 1936-2005

Cerámica. 1969. Óleo sobre lienzo. 2134 x 1524 mm. Tate Galley, Londres.

Les Demoiselles d'Avignon vues de derrière 1999 by Patrick Caulfield 1936-2005

Las señoritas de Avignon.  1999. Serigrafía sobre papel. 1059 x 918 mm. Tate Gallery, Londres.

20. 'Ah! Storm clouds rushed from the Channel coasts' 1973 by Patrick Caulfield 1936-2005

“¡Ah! Nubes de tormenta se apresuraron sobre las costas del Canal ‘ . 1973.  Serigrafía sobre papel.  Tate Gallery, Londres.

Toledo tras la cámara de Jean Laurent

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Toledo ha sido y será un lugar de lo más fotografiado. Las fotografías antiguas nos enseñan el encanto de esta bella ciudad.

Las primeras fotografías que se tienen son del segundo tercio del siglo XIX, y hace muy poco tiempo ha llegado al Archivo Municipal de Toledo un álbum de fotografías de Jean Laurent.

Éste francés se estableció en Madrid en 1843, y comenzó a interesarse por la fotografía en 1855, retratando numerosas ciudades, monumentos, paisajes, obras públicas y obras de arte de toda la península.

Durante su estancia en España se identificaba con el nombre de Juan, en vez del original francés Jean, pero siempre firmó sus obras como J. Laurent.

Hasta 1855 trabajó como cartonero, dedicándose a la fabricación de lujosas cajas de cartón y de papeles jaspeados. En esa fecha se empezó a dedicar a la fotografía, interesándose por los avances tecnológicos del momento, y dominándolos.

Ostentó el título de Fotógrafo de S. M. la Reina durante el período de 1861 a 1868. Desde 1861 tenía una colección de fotografías a la venta, entre las que figuraban las de las obras de arte del Museo del Prado.

En su actividad profesional trabajó con varios colaboradores, entre los que destaca Alfonso Roswag que era yerno suyo.

No se conoce la fecha de la muerte de Juan Laurent. Se sabe que en diciembre de 1882 estaba vivo, pero aún así se estima que su muerte debió ocurrir entre los años 1883 y 1892, si bien algunas fuentes rebajan la fecha hasta 1890 como muy tarde.

J. Laurent destacó siempre por mantenerse al día en los avances tecnológicos que se producían en la fotografía del siglo XIX. Él mismo inventó e introdujo varias técnicas como el papel leptográfico, más sensible que el existente hasta el momento, y un nuevo sistema de coloreado.

La mayoría de sus placas fotográficas son del procedimiento que se conoce por el nombre de colodión húmedo. Usaba el ferrocarril para sus desplazamientos por la península y empleaba un pequeño “carro-laboratorio”, donde revelaba de sus placas de vidrio al colodión.

La muestra que os dejo a continuación son las más tempranas imágenes tomadas por Laurent en la ciudad de Toledo entre 1858 y 1867. El valor de este álbum es excepcional, no sólo por estar completo y mostrar los primeros trabajos de Laurent en Toledo, sino por confirmar la autoría de algunas fotografías que en diversas publicaciones aparecían atribuidas a otros autores, especialmente Charles Clifford.

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Ahora que ya habéis descubierto el antes de la ciudad, ¿Os atrevéis a descubrir el presente?

Febrero, el mes del amor

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¿Qué sería de Febrero si no fuese el mes del amor por excelencia?

Tenemos lo que  no queremos, queremos lo que no tenemos, y en muchas ocasiones no sabemos si queremos lo que tenemos o si lo que tenemos es lo que realmente queremos.

Un lío total, ¿No? Pero no somos los primeros ni seremos los últimos. Esto lo podemos comprobar cada día, en los miles de blogs que hablan del amor y del desamor, las canciones, los libros, y como no la pintura.

 

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Quellinos Erasmus.El amor dormido. Lienzo. 81 x 98 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

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Caravaggio. Amor victorioso. 1602-1603. Óleo sobre lienzo. 156 x 113 cm. Staatliche Museen. Berlín. Alemania.

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Francisco de Goya y Lucientes. El amor y la muerte. Dibujo preparatorio. 1797-1798. Aguada roja y trazos de sanguina al fondo. 20.5 x 14.5 cm. Papel avitelado muy fino. Museo del Prado. Madrid. España.

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Theodore Guericault. El beso. 1822. Sepia y carbón sobre papel. 203 x 368 mm. Museo Thyssen-Bornemisza.

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Toulouse Lautrec. El beso. 1892. Colección Privada.

Carteles de artistas

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Los artistas y sus obras están presentes hoy en día en el diseño también.

Os dejo con unos carteles chulísimos, muy minimalistas, que recuerdan al artista y su obra.

¿Sois capaces de decir quién es cada uno?

Andy Warhol

 

Andy Warhol (1928-1987)

Jackson Pollock

Jackson Pollock (1912-1956)
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881-1973)
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Jasper Johns (1930)
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Damien Hirst (1965)
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Marcel Duchamp (1887-1968)
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Rembrandt (1606-1669)
René Magritte
René Magritte (1898-1967)
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Piet Mondrian (1872-1944)
 
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Vermeer (1632-1675)
 
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Jacques-Louis David  (1748-1825)
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Mark Rothko (1903-1970)
 
Roy Lichtenstein
 
 
Roy Lichtenstein (1923-1997)
 
Vicent Van Gogh
 

Vicent van Gogh (1853-1890)
La verdad es que estos carteles me han parecido la mar de chulos, y creo que pueden decorar cualquier habitación.
Los carteles son de unos diseñadores gráficos que llevan mucho tiempo metidos en el mundillo: Eurydyka Kata & Rafał Szczawiński.
Y a vosotros, ¿Os han gustado?