Archivo de la categoría: Arte Moderno. 1900 – 1970

Pacto con el diablo

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Las brujas o hechiceras han sido retratadas por numerosos pintores a lo largo de la historia. Hemos recogido algunas de esas obras que marcaron un punto importante en la Historia del Arte.

 

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Circe ofreciendo la taza a Ulises. 1891. John William Waterhouse. Óleo sobre lienzo.

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El Aquelarre. 1798. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. Museo Lázaro Galdiano. Madrid.

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Cuatro Brujas. 1497. Alberto Durero. Grabado en cobre.

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Dos brujas,  1523. Hans Baldung Grien. Óleo sobre lienzo. Alemania.

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Tres brujas y tres lobos,  1900. Eugène Grasset. Acuarela.

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Circe. 1986.  Claudio Bravo. Óleo sobre lienzo.

Egon Schiele

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“No hay arte nuevo. Hay artistas nuevos. El artista nuevo tiene que ser completamente fiel a sí mismo, ser un creador, ser capaz de construir sus propios cimientos directamente y solo, sin apoyarse en el pasado o la tradición… la formula es su antítesis”

Egon Schiele

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Desnudo de chica con pelo negro. 1910. Graphische Sammlung Albertina. Vienna. Austria.

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Retrato de Poldi Lodzinsky. 1910. Óleo y aguada. 109 x 36 cm. Colección privada.

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Tres muchachas. 1911. Acuarela y lápiz. 48 x 31.5 cm. Colección privada.

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Niño con nimbo en campo de flores. 1909. Tinta china con borde y lápiz. 15.7 x 10.2 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria.

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Niño durmiendo. 1910. Aguada y lápiz, con contorno blanco. 45.1 x 31.5 cm. Galerie Pels-Leusden. Berlín. Alemania.

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Girasol marchito. 1912. Aguada y lápiz. 45 x 30 cm. Colección privada, courtesy Galerie St. Etienne. Nueva York. EEUU.

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Joven rubia con medias verdes. 1914. Acuarela y lápiz. 48.1 x 32.3 cm. En paradero desconocido.

Los inicios del cine de la mano de Segundo de Chomón

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Hoy dejo aparcadas las pinturas por un momento para enseñaros un descubrimiento: Las películas mudas.

Es un terreno desconocido para mí, pero la película muda que me enseñaron ayer se llama: Los huevos de Pascua, y es de 1907.

El director es Segundo de Chomón, un pionero en el cine mudo español.

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Director, técnico de iluminación y de fotografía, especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y del cine de animación fue una de las personalidades más relevantes –y fascinantes– de los primeros treinta años de existencia del séptimo arte y trabajó al lado de algunos de los directores europeos más importantes del período.

Fue junto a los hermanos Lumière, Georges Méliès y Charles Pathé uno de los pioneros de la historia del cine. Impresionado por el descubrimiento del cinematógrafo, viajó a París en 1897 para poder estudiar este invento. A su vuelta a Barcelona, fundó un estudio para la colaboración de películas. En 1906 fue contratado por la empresa francesa Pathé, para la que realizó más de 100 cortometrajes.

Segundo Chomón trabajó en novedades técnicas y efectos especiales que luego aplicaba a sus películas fantásticas. Se ganó el apodo del “Méliès español”

 

 

En ésta película utiliza la técnica de doble exposición que permite cambiar el tamaño de los personajes. Colorea los fotogramas y les da un acabado muy preciosista

 

Una película que narra muy bien los inicios del cine es La invención de Hugo de Martin Scorsese.

¡Espero que os guste! Y recordad que es de 1907

Jack the Dripper

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Pintar es un estado de la existencia, es descubrirse a uno mismo. Todo buen pintor pinta lo que es. Cuando estoy pintando, no me doy cuenta de lo que hago” Jacson Pollock.

Este pionero, pintor abstracto de la escuela de Nueva York, apodado Jack el Goteador (Jack the dripper), due un alcohólico torturado que se balanceaba entre la sensibilidad y el machismo, la euforia y la desesperación.

Sus mejores obras son a gran escala, como 4 x 7m, ya que entonces era cuando la apasionada, heroica y monumental naturaleza de su realización se hacía aparente.

Pollock solía poner el lienzo en el suelo y colocarse encima de él de pie, con una gran lata de pintura, porque quería estar “dentro” del cuadro y ser parte física del mismo.

Observa el ritmo y la fluidez de las hebras de pintura (puede que sean instintivas, pero no arbitrarias ni descuidadas).

Intenta averiguar cuántas capas de pintura puedes ver. Es casi posible reconstruir sus movimientos y estar “dentro” del cuadro.

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The Flame. 1934-8. Oli on canvas, mounted on fibreboard. 51,1 x 76,2 cm. The Museum of Modern Art. New York. USA.

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Eyes in the Heat. 1946. Óleo sobre lienzo. Peggy Guggenheim, Venecia.

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Blue (Moby Dick). 1943. Guache y tinta sobre cartón. 47 x 58 cm.  Ohara Museum of Art. Kurashiki

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Lo profundo.  1953. Óleo sobre lienzo. 220,4 x 150,2 cm. Centre Georges Pompidou. París.

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Ritmo de otoño nº 30. Óleo sobre lienzo. 266,7 x 525,8 cm. MoMA. Nueva York.

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Convergence. 1952. Oil on canvas. 237,7 x 393,7 cm.

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Mural. 1943. Óleo sobre lienzo. University of Iowa Museum of Art. Iowa City. USA.

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Reflection of the big dipper. 1947. Oil on canvas. 111 x 92 cm. Stedelijk Museum. Amsterdam. Holanda.

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Luz Blanca. 1954. Oil, enamel and aluminium paint on canvas. 122 x 96,9 cm. The Museum of Modern art. New York. USA.

Conociendo un poco más a Mondrian

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Uno de los pioneros del puro arte abstracto fue Piet Mondrian.

Personaje austerio y solitario que odiaba el verde desorden de la naturaleza. Influyó en las teorías y en el mundo intelectual de su época y no tuvo ningún éxito comercial.

Sus obras más conocidas son las abstractas entre 1920 y 1940. Sus elementos son simples: solo blanco, negro y colores primarios, líneas horizontales y verticales.

Su objetivo era encontrar y expresar una perfección espiritual universal, pero su imaginería se ha convertido algo corriente en el diseño publicitario del siglo XX.

Destacan también sus últimas obras, coloristas y con ritmo de jazz, finalizadas en Nueva York.

Su lento y trabajoso progreso a través del simbolismo y el cubismo hacia la abstracción requiere un paciente estudio.

Para comprender la obra de Mondrian debe verse de cerca. Las copias hacen parecer sus abstracciones insípidas, mecánicas y fáciles, con superficies inmaculadas y anónimas. En realidad, se pueden ver (y hay que ver) las marcas del pincel, las modificaciones, las dudas y la lucha por lograar ese equilibrio armonioso y esa pureza que deseaba tan desesperadamente, pero que le costaba tanto alcanzar.

Destacan también la escala reducida deliberada y la intimidad de la mayoría de sus obras.

El arte abstracto se opone a la representación natural de las cosas. No se opone a la naturaleza, sino a la cruda, primitiva y animal naturaleza del hombre, pero está de acuerdo con la naturaleza humana”. Piet Mondrian.

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Árbol Rojo

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Composición VII. 1913. Óleo sobre lienzo. 104,4 x 113,6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.

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Composición Oval. 1914. Olio su tela. 113 x 84,5 cm. Gemeentemuseum. L’Aia. Holland.

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Broadway Boogie  Woogie. 1942-1943. Óleo sobre lienzo. 127 x 127 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.

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Composición Londres. 1940-42. Oil on canvas. 82,5 x 71,1 cm. Roomm of Contemporary Art Fund.

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Composición con rojo, amarillo y azul. 1921. Óleo sobre lienzo. 39,5 x 35 cm. Palazzo Grassi de Venecia. Venecia. Italia.

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Composición en escalera con colores oscuros. 1919. Olio su tela. 84 x 102 cm. Collezione Slijper. Blaricum.

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New York City I. 1942. Óleo sobre lienzo. 119,3 x 114,2 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.

Los colores de Patrick Caulfield

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Hoy vamos a conocer un poco la vida y la obra de Patrick Caulfield.

Fue un pintor y grabador nacido en 1936.

Patrick Caulfield estudió en la Escuela de Arte de Chelsea a finales de los cincuenta, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, donde entre sus compañeros se encontraba entre otros el artista David Hockney.

En 1964 expuso en la muestra de la New Generation en la Galería Whitechapel de Londres, que dio como resultado el que se le relacionase con el pop art.

Desde mediados de los setenta comenzó a incorporar elementos más detallados y realistas a su obra, algunos objetos tienen intensos perfiles negros y color plano, y otras zonas están ejecutadas con pinceladas más sueltas.

Los cuadros de Caulfield son figurativos, retratando a menudo objetos sencillos en su interior. Típicamente, usa áreas planas de color simples, rodeadas de perfiles negros. Algunas de sus obras están dominadas por un solo tono.

Durante su carrera artística fue galardonado en numerosas ocasiones.

Murió en 2005, y está enterrado en el Cementerio de Highgate Cemetery. Entre los que han seguido su estilo se encuentran Michael Craig-Martin y últimamente Julian Opie.

Así que si descubrís una obra en la que dominan los colores lisos y brillantes, los objetos comunes, y contorneados con una gran línea negra, probablemente sea de éste artista.

Black and White Flower Piece 1963 by Patrick Caulfield 1936-2005

Flor Blanco y negro. 1963.  Óleo sobre tabla. 1.219 x 1.219 mm. Tate Gallery. Londres.

Greece Expiring on the Ruins of Missolonghi (after Delacroix) 1963 by Patrick Caulfield 1936-2005

Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi (después de Delacroix). 1963. Óleo sobre tabla. 1524 x1519 mm. Tate Gallery, Londres.

Still Life with Dagger 1963 by Patrick Caulfield 1936-2005

Naturaleza muerta con daga. 1963.  1215 x 1216 mm. Tate Gallery. Londres.

Ruins 1964 by Patrick Caulfield 1936-2005

Ruinas. 1964. Serigrafía sobre papel. 508 x 762 mm. Tate Gallery. Londres

Coloured Still Life 1967 by Patrick Caulfield 1936-2005

Bodegón de color. 1967. Serigrafía sobre papel. 559 x 914 mm. Tate Gallery, Londres.

The Letter 1967 by Patrick Caulfield 1936-2005

La carta. 1967. Serigrafía sobre papel. 480 x 760 mm Marco: 495 x 775 mm. Tate Gallery, Londres

Pottery 1969 by Patrick Caulfield 1936-2005

Cerámica. 1969. Óleo sobre lienzo. 2134 x 1524 mm. Tate Galley, Londres.

Les Demoiselles d'Avignon vues de derrière 1999 by Patrick Caulfield 1936-2005

Las señoritas de Avignon.  1999. Serigrafía sobre papel. 1059 x 918 mm. Tate Gallery, Londres.

20. 'Ah! Storm clouds rushed from the Channel coasts' 1973 by Patrick Caulfield 1936-2005

“¡Ah! Nubes de tormenta se apresuraron sobre las costas del Canal ‘ . 1973.  Serigrafía sobre papel.  Tate Gallery, Londres.

Ideas cubistas y futuristas de Wyndham Lewis

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Hoy vamos a hablar de otro Lewis, un Lewis muy diferente al de la entrada anterior.

Percy Wyndham Lewis era la formidable energía detrás del movimiento británico vorticista. Tras la ruptura de sus padres, en 1893, vivió en Londres con su madre.

Estudió tres años, desde 1989 en la Slade School of Art y después pasó seis años viajando por Europa.

En 1911 se unió al grupo Camden Town Group,  y, en 1913, a los talleres Omega. En 1914, la revista vanguardista Blast, de la que Lewis era editor, publicó su manifiesto vorticista.

No fue solo pintor, si no también escritor y periodista, un joven airado que junto a sus colegas vorticistas llevó el arte moderno a Gran Bretaña.

Más tarde se convirtió en  un inadaptado reaccionario de derechas y en admirador del fascismo.

Su obra es siempre angular y torpe, como el propio artista. Sus primeras obras, enérgicas y originales, fueron de las primeras abstractas en Europa. También fue autor de dibujos y cuadros de gran fuerza sobre los campos de batalla de la primera Guerra Mundial (fue artista oficial de la guerra).

Destaca su habilidad para el dibujo y su personal y original uso de los estilos e ideas cubistas y futuristas. Su uso del espacio y las figuras es ingenioso y creativo, y su exploración del concepto hombre y máquina es interesante.

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Bagdad. 1927. Oil on plywood. 183 x 79 cm. Tate Gallery, London.

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Figuras danzantes. 1914. Pencil, ink, pastel, gouache and oil on paper. 21 x 50,2 cm. Private Collection.

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Composición en malva y rojo. 1915. Pluma, tinta, clarión y gouache sobre papel. 35,5 x 25 cm. Museo Thyssen-Bornemisza.

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La rendición de Barcelona. 1936-1937. Tate Gallery. Londres

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Los vorticistas en el restaurante de la torre Eiffel. 1915

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Mr. Wyndham Lewis como un tyro.
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Edith Sitwell. 1923 – 1935.

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Froanna. 1940